chá de poejo

The Iron Lady (2011)

2012-02-10T11:52:00.006-03:00

Foto 1 - Meryl Streep como Margaret Thatcher

Acho que as pessoas que andam falando mal de ‘A dama de ferro’ estavam na verdade querendo um documentário. Um daqueles que tratasse detalhadamente sobre a deflagração da Guerra das Malvinas e do modelo neoliberal implementado pelo governo Thatcher. Mesmo esses sendo temas importantíssimos da agenda política dos anos de 1980, tal como a queda do muro de Berlin, eles não são o foco da película. Da mesma maneira, que quem não conhece um pouco sobre sistemas de governo e sistemas eleitorais, também não conseguirá entender como foi que ela chegou ao poder sendo a líder do partido conservador. E por isso o roteiro deveria incluir uma aula de ciência política para suprir essa falta de informação? Não! Na verdade, o filme é maior do que essas coisas. Há um aspecto mais relevante para mim. É a ênfase constante, mesmo que não de maneira enfática, na ambição e no desejo dela de fazer algo em um mundo dominado apenas por homens. Pode-se discordar dos seus feitos, legado e maneira de agir, mas não há como negar a relevância que teve uma mulher ocupar o cargo de primeiro-ministro e, ainda mais, pelo partido conservador britânico. Nesse aspecto, ela foi tão ou mais progressista do que uma Simone de Beauvoir.

Talvez tenha faltado um pouco ao filme, não propriamente uma contextualização histórica, a que foi feita me deixou satisfeito. Quem sabe uma melhor abordagem dos bastidores do poder. Isso foi feito, mas de maneira superficial. Ela que sofria de um duplo preconceito, primeiro por ser mulher e, segundo, por ter se originado de uma família não muito abastada. Assim, o seu enfrentamento diário e sistemático para firmar posição nesse ambiente fosse mais instigante e rendesse uma película mais interessante. Tratar mais desses aspectos e menos do seu relacionamento com o marido morto, nas suas crises de ‘loucura’, renderia um trabalho de melhor nível. Afinal de contas, todos nós estamos sujeitos a envelhecer e, quiçá, passar pelos mesmos devaneios, no entanto, fincar o nome na história é para poucos e, isso sim é admirável e merece discussão!

Outro argumento que anda circulando nas críticas é que se a Streep não estivesse no filme, ele seria pior do que já é, como também, o fato de que alguns atores estão subaproveitados. Ora, o longa é sobre a Thatcher, queria-se o quê? Que o seu marido se sobressaísse na trama? Palmas para a diretora e os produtores que escolheram a Meryl Streep e deram a ela, se não o melhor papel em termos próprios, mas o melhor que ela interpretou nos últimos dez anos. Precisa, convincente, humana e incisiva (quando necessário), impecável. Sou um dos que advoga pela repercussão da Viola Davis, mas a Streep em termos de papel e atuação de atriz principal leva bastante vantagem. Parece que o filme foi feito sob encomenda para ela brilhar, e ela o faz. Dentre todas as oportunidades que a Streep teve de levar o Oscar nesses últimos dez anos, se ela não o levar esse ano, será o caso de maior injustiça já feito na história da premiação contra ela. Tirando o lado de fã (aliás, a análise feita é bastante racional), em todos os aspectos ela está surpreendente, seja com a ajuda da boa maquiagem para interpretar a ex-primeira-ministra no avançar da idade, seja ela na sua batalha diária no Parlamento. Que mulher, que atriz, que atuação!
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The Iron Lady (A Dama de Ferro), Reino Unido, 2011. Dirigido por Phyllida Lloyd. Com: Meryl Streep, Jim Broadbent. 105 minutos. Gênero: Biográfico, Drama.

Nota: 7.5

The Girl with the Dragon Tattoo (2011)

2012-02-06T20:53:00.006-03:00

Foto 1 - Rooney Mara e Daniel Craig

Devo admitir que The Girl with the Dragon Tattoo não seria um filme que me faria sair de casa para ir ao cinema. No entanto, apesar dessa minha indisposição, acabei vendo o filme e, contra as minhas expectativas, até que ele me surpreendeu. E o início do filme já é muito bom com a versão que eles utilizam de Immigrant Song do Led Zeppelin. Só acho que os serial killers dos filmes deveriam se reinventar, ainda mais, quando se trata do mesmo diretor. Ter suas mortes inspiradas por passagens bíblicas (ou algo que o valha) não tem mais graça, desde Seven, inclusive, do mesmo diretor de Millennium.

Todos os atores estão muito bem, a propósito, o Christopher Plummer aparece bem melhor nesse longa quando comparado ao seu premiado papel em Beginners. Com personagens fortes e bem interpretados unido aos mistérios e segredos de família, Fincher consegue produzir uma trama tensa e inquietante. Além disso, há uma miscelânea de temas tocados que são para todos os gostos. Desde violência (no sentido mais amplo que houver) contra mulheres, ao nazismo, assassinato e um quê de jornalismo investigativo. Cenas impactantes tomam conta da película e, o diretor não faz questão de escondê-las.

Apesar da história não cansar em nenhum momento, acredito que ela poderia ser reduzida. O diretor poderia muito bem ter focado na investigação dos crimes e, esquecido a vida pregressa do Mikael Blomkvist (Daniel Craig), bem como o que a Lisbeth Salander (Rooney Mara) faz depois de desvendar o crime. Aliás, a tentativa de prender o expectador com a transformação dela na mocinha que se apaixona pelo galã-garanhão não está com nada. Tenho certeza que todos a preferiam do jeito enigmático, sarcástico e vingativo que nos é apresentado no início. Diferentemente, do L'Homme qui Aimait les Femmes (O Homem que amava as mulheres), do Truffaut, não se ver um conquistador que conta os seus inúmeros casos e paixões, mas vê-se o desvendar de um mistério familiar que envolve mulheres torturadas e violentadas.

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The Girl with the Dragon Tattoo (Millennium - Os Homens que Não Amavam as Mulheres), Alemanha/Estados Unidos/Reino Unido/Suécia, 2011. Dirigido por David Fincher. Com: Daniel Craig, Rooney Mara, Christopher Plummer, Stellan Skarsgård. 158 minutos. Gênero: Policial, Suspense.

Nota: 7.5

We Need to Talk About Kevin (2011)

2012-02-03T20:30:00.005-03:00

Foto 1 - Tilda Swinton e os vários Kevins

Não sei precisamente qual o argumento defendido por ‘Precisamos falar sobre o Kevin’. Na verdade, talvez até tenha entendido a linha de raciocínio do roteiro, o problema é que discordo completamente dele. Aparentemente, ele quer reforçar a tese de que as pessoas já nascem predestinadas a algo. Que existe um ‘instinto assassino’ inerente ao ser humano e, incontrolavelmente forte, em alguns indivíduos. Pois bem, não acredito nem em coisas predestinadas, nem em instintos. Tenho convicção que da mesma forma que escolhemos uma religião, um partido político, um time de futebol, etc, somos levados socialmente, pelo pertencimento a determinados grupos sociais a assumir certas preferências e não outras. Não se trata de uma necessidade biológica, não há um gene que predetermine esse comportamento, tal qual há naqueles com diabetes e sua deficiência em quebrar a molécula de glicose, ou entre os daltônicos e seu problema em distinguir o verde do vermelho.

Por outro lado, em que mundo vivia a família e, especificamente, a mãe do Kevin? Será que ela nunca ouviu falar em terapia, em psicólogos? Talvez o longa sirva para chamar atenção no tocante a responsabilidade dos pais sobre as futuras atitudes dos filhos. Muitas vezes, durante o filme, eu fiquei em conflito, em certos momentos, achava que a mãe tinha culpa, em outros, pensava, coitada dessa pobre mulher. A verdade é que o filho a manipulava e conseguia ser roteirista, ator principal e diretor de todos os momentos naquela família. Aparenta conservadorismo, mas sem respeito a determinadas regras, não há como pessoas coexistirem. Quando se vive em um ambiente mais harmônico, essas regras são menos enfatizadas, no entanto, na situação vivida no filme, elas precisam ser permanentemente reiteradas e reforçadas.

Tilda Swinton está perfeitamente incrível e simetricamente desempolgante. É aquele tipo de papel onde a atriz controla a personagem nos mínimos detalhes, mostra-se totalmente imersa na história, mas não consegue ser avassaladora e arrebatadora. De fato, ela me convence e eu consigo entender o deserto que sua vida se transforma a partir do desenrolar da trama. Vejo uma comunidade que nunca mais irá aceitá-la e, a repercussão disso no seu cotidiano. Nunca mais, o estigma e o vermelho tão presente durante toda a película irá desaparecer da sua memória e da sua existência. A Swinton consegue, muito bem, nos transmitir todos essas nuances, mas não nos entusiasma. Em suma, é um bom filme, com boas atuações e que merece ser visto, apesar do seu desfecho pouco convincente.

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We Need to Talk About Kevin (Precisamos Falar Sobre o Kevin), Estados Unidos/Reino Unido, 2011. Dirigido por Lynne Ramsay. Com: Tilda Swinton, John C. Reilly, Ezra Miller. 112 minutos. Gênero: Drama, Suspense.

Nota: 7.5

"To dream big and dream fierce"

2012-01-30T12:21:00.008-03:00

Foto 1 - Viola Davis com o seu The Actor

Muitos esperavam por um resultado diferente, ontem, durante a entrega do The Actor na categoria de melhor atriz/cinema - inclusive, eu. No entanto, como previa na postagem sobre o filme Histórias Cruzadas (The Help), que a disputa nas premiações de 2012, estaria entre a Viola Davis e a Meryl Streep, e não entre a Streep e a Glenn Close. Difícil é imaginar, agora, como será o Oscar. Das 17 edições do SAG Awards, apenas em 5 situações, a vencedora do sindicato dos atores não levou a estatueta do Oscar. Parece que a Streep terá que esperar por uma nova oportunidade. Digo isso baseado no fato de que: se ela não levou o Oscar quando concorria com a Sandra Bullock, como ela conseguirá arrancar de uma candidata bem mais forte e qualificada, que atuou em um filme amplamente aceito pelos americanos? Lembrando que a Bullock levou ambos os prêmios. Contudo, voltando para a Viola Davis, não se pode negar que foi merecido. E digo mais, foi um dos melhores momentos da noite (pena que no vídeo, não é mostrado o momento em que ela ouve o seu nome sendo anunciado), juntamente, com a vitória da Octavia Spencer, e do filme "The Help" em melhor elenco. E como a Viola Davis disse em seu discurso (que pode ser visto abaixo) devemos: “[...] to dream big and dream fierce.”

The Help (2011)

2012-01-21T09:03:00.007-03:00

Foto 1 - Octavia Spencer, Viola Davis e Emma Stone

Recentemente, um fenômeno passou a acontecer no cinema americano. Em 2009, foi lançado nos Estados Unidos, Precious: Based on the Novel Push by Sapphire, filme que chamou a atenção pelo enredo, e pelas atuações das suas principais atrizes, tendo a coadjuvante ganhado todos os prêmios da temporada. São filmes que contam as histórias dos milhares de negros que vivem no País, e que ainda carregam marcas históricas de anos de exploração e discriminação. Ano passado, foi lançado no mercado estadunidense o filme – The Help – que no Brasil recebeu o nome de Histórias Cruzadas, e que tem estado presente nas principais premiações desse ano.

Diferentemente de Precious que conta a história da degradante condição de vida de uma garota negra nos Estados Unidos pós-Luther King, e pós luta pelos direitos civis e políticos, The Help passa-se ainda no estado do Mississipi extremamente segregacionista e dominado pela Klu Klux Klan. Apesar desse não ser um tema novo na cinematografia daquele país, vide um clássico como Mississipi em Chamas, a perspectiva para se tratar a questão o é. A partir do ponto de vista das empregadas domésticas nos é revelada as condições subumanas de tratamento, onde não existe Estado de Direito algum para a população negra. Aliás, o mais constrangedor, é que as próprias práticas nem podem ser consideradas ilegais, pois elas são tuteladas pelo próprio Estado. Diferentemente do Brasil onde o preconceito é latente, nos EUA, especificamente nos estados sulistas, ele era institucionalizado e legitimado pelos agentes públicos.

Além disso, nele está claramente representado, aquilo que os sociólogos costumam chamar de reprodução social*. Por gerações e gerações, são negadas as oportunidades à população negra sistematicamente. E por isso, o ciclo vicioso permanece constante e ativo. A nova geração acaba tendo o mesmo destino dos seus antepassados que viveram no país nos séculos 18 e 19. Assim, as funções menos remuneradas, e que normalmente requerem maior esforço físico são destinadas a esse grupo social. No entanto, o irônico é entender como ao mesmo tempo eles são considerados brutos, sujos e incivilizados são responsáveis pelos filhos dos brancos em uma etapa da vida onde as crianças estariam suscetíveis a aprender todos esses supostos maus hábitos.

Diante de todo esse cenário, uma jovem, recém formada, voltando da universidade se depara com uma realidade que não lhe atrai. Com outros valores, chega à cidade e vai à busca de um emprego, algo considerado bastante estranho para o grupo social do qual participava. Aliás, ir à universidade já era algo incomum para as jovens como ela. Tentando ser útil, e não apenas se acomodar no cargo de escritora de uma coluna estupidamente banal, ela tem a ideia de escrever um livro contando pelo ângulo das empregadas domésticas, as suas relações com as famílias brancas. Apesar de não ocorrer em todos os casos, o quadro dominante era o pior possível. Era em suma, a segregação racial sendo ensinada nos próprios lares, na frente das crianças. Crianças que enquanto jovens adoravam suas babás, mas que quando cresciam, tornavam-se os novos tiranos.

O último aspecto que quero destacar é a atuação da Viola Davis. Atriz que venho observando desde filmes como Dúvida, Syriana, Longe do Paraíso, está brilhante no papel de Aibileen. Babá que sofreu na pele – isso fica até redundante – as marcas do racismo, com a perda de um filho. Ela chega a estar tão convincente, que mesmo não sendo a atriz principal do longa, foi indicada ao Globo de Ouro, SAG, e, provavelmente, Oscar, nessa categoria. Ainda não vi a Meryl Streep em A Dama de Ferro, mas uma coisa eu sei, que se há uma disputa, ela não é entre a Glenn Close e a Streep, mas entre a Viola Davis e a Streep. Por fim, porém, não menos importante, está a surpreendente Octavia Spencer, no papel de Minny Jackson. Ao mesmo tempo durona e divertida, apesar de todo seu sofrimento, consegue nos arrancar boas gargalhadas. Certamente, ela será a vencedora de todos os prêmios pré-Oscar, e com certeza ouviremos o The Oscar goes to... Octavia Spencer. Em suma, diante do péssimo ano com relação a cinema, eis que surge um daqueles que eu posso dizer imperdível.

*Reprodução social não significa apenas a repetição da cultura atualmente existente, mas também na repetição, na conservação, da própria estrutura social e do sistema de status e papéis sociais existente. Assim, a reprodução social é um modo de manter as desigualdades sociais, econômicas, políticas, etc.
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The Help (Histórias Cruzadas), Emirados Árabes/Estados Unidos/Índia, 2011. Dirigido por Tate Taylor. Com: Viola Davis, Octavia Spencer, Mary Steenburgen, Emma Stone. 146 minutos. Gênero: Drama.

Nota: 9.0

Forrest Gump (1994)

2011-12-05T20:24:00.004-03:00

Foto 1 - Tom Hanks como Forrest Gump

A história política e cultural de um país, durante mais ou menos três décadas, é contada e vivenciada por um personagem. Esse personagem é Forrest Gump. Ingênuo, bobão, pouco ambicioso, talvez sejam adjetivos que possam defini-lo, mas uma coisa é certa, sua experiência, seus momentos, os lugares que conheceu, pouquíssimos tiveram a chance de apreciar ou experimentar. Ele que tinha como lema que “a vida é como uma caixa de chocolate, você nunca sabe o que vai encontrar”.

Alguns temas são tocados no longa, tais como os frequentes atentados aos presidentes dos Estados Unidos, a questão da segregação racial e do grupo Ku Klux Klan, a Guerra do Vietnã, o movimento hippie, os panteras negras, a era disco, o caso Watergate, a luta americana contra o Comunismo. Também artistas e marcas mundialmente conhecidas como o Elvis Presley, a Joan Baez, o John Lennon e a Apple são lembradas. Enfim, de forma leve e pouco engajada, os roteiristas conseguem deixar um recado, por exemplo, ao se referir a KKK é dito que é preciso lembrar que às vezes nós fazemos coisas sem nenhum sentido.

O roteiro tinha tudo para ser monótono, visto que seu alicerce está na descrição dos fatos com o ator principal sentado em um ponto de ônibus. No entanto, todos os fatos que vivenciou, e onde em alguns foi determinante, evitam a mesmice e as mais de duas horas passam voando! Outro aspecto, é que esse é o filme que deve ter a melhor seleção de músicas de todos os tempos. Realmente, ouvir várias músicas bacanas ao longo da película me fez sentir bem.

Forrest mostra que o menos é mais. A vida do protagonista nunca foi um parque de diversões. Com um QI abaixo da média, sempre foi discriminado, mas em variados graus teve o apoio de quatro pessoas: sua mãe, Jenny, Bubba e do Coronel Ten. Na verdade, o filme é um jogo com os próprios espectadores. Nossos valores são constantemente questionados sem que percebamos. A forma como vemos e encaramos a vida é contrastada com a do protagonista – que segundo nossa concepção possui certa incapacidade mental. Forrest Gump – O Contador de Histórias, mostra que estamos sujeitos a situações imprevistas, por vezes curiosas, mas que são nelas que encontramos pessoas especiais. Tal como o Almodóvar gosta de fazer, é a vida entrelaçando várias biografias, de uma maneira admirável e sem explicações.
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Forrest Gump (Forrest Gump - O Contador de Histórias), Estados Unidos, 1994. Dirigido por Robert Zemeckis. Com: Tom Hanks, Sally Field, Robin Wright, Gary Sinise, Haley Joel Osment. 142 minutos. Gênero: Comédia, Drama.

Nota: 10.0

Cazá, cazá, cazá!!!

2011-11-26T21:59:00.002-03:00

O vídeo já diz tudo! Vamos, vamos, meu Leão, agora na 1ª divisão!!!

Trailer do filme 'The Iron Lady'

2011-11-14T16:08:00.002-03:00

Vendo o trailer, deu uma vontade imensa de ver o filme imediatamente!

Simonal - Ninguém Sabe o Duro que Dei (2008)

2011-10-12T18:13:00.008-03:00

Foto 1 - Wilson Simonal

A emergência e o declínio de uma estrela é disso que trata Ninguém sabe o duro que dei. No entanto, nas entrelinhas, é tocado no tema do racismo – fenômeno tão característico da sociedade brasileira –, e na sua vida desregrada, de uma pessoa que ascendeu de uma classe popular para ter vários fãs, carros, mulheres e uma cobertura em Ipanema. Certa vez o Addison DeWitt - personagem do George Sanders em All About Eve – disse para Eve que: Era chegada a hora dela se desfazer um pouco da sua humanidade. Que todos eram vaidosos, e não fazer nenhum alarde era tão falso quanto o fazer em excesso. Se você estende o argumento para alguém que acredita dominar públicos e estar acima de tudo e todos, você consegue entender a personalidade artística do Simonal.

O seu declínio, aliado a supostas perseguições de várias ordens (políticas, raciais, artística), foi ajudada e muito por suas próprias atitudes. Artista brasileiro com inúmeros shows durante o seu apogeu, contabilizando quase um por dia no final dos anos de 1960, que cantou com a Elis Regina e a Sarah Vaughan – esta última, considerada por muitos, junto com a Billie Holiday e a Ella Fitzgerald, integrante da ‘santíssima trindade’ do jazz – teve os seus últimos dias relegado ao anonimato. Numa época de forte confronto ideológico, onde visões reducionistas da realidade era moda – e que por incrível que pareça continua na cabeça tacanha de alguns – dividia os artistas engajados, dos alienados, e mais que isso, os associavam à ditadura.

Não acredito que o não engajamento o tenha feito cair no esquecimento, vários outros não seguiram por esse caminho e nem por isso foram levados ao ostracismo, o caso mais exemplar que me vem à cabeça é o da Rita Lee – que pouco estava se interessando pelo momento político do País, e mais queria saber das drogas. Cada um com as suas opções. Acho na verdade que o principal problema do Simonal foi achar que estava acima do bem e do mal, e ter dado pronunciamentos dizendo ser ‘amigo’ do regime militar. Além disso, a entrevista com o suposto contador que teria desviado seu dinheiro, se verdade, é chocante, e o final do Simonal justificável. Nesse sentido, ele mesmo potencializou toda raiva, inveja (ou como queiram chamar) das pessoas que estavam predispostas ao ver na ruína.

Com inegável talento, mas pouco disciplinado na condução da sua vida artística, Simonal torna-se um exemplo dos resultados de uma vida sem planejamento e pior, do fato de se achar intocável, um deus - 'malandragem' tem limite. Acabou os seus últimos dias tentando se justificar, sem conseguir ter êxito. Morreu ainda jovem (62 anos), esquecido, e com certeza, bastante debilitado por conta de problemas no fígado, reflexo de suas angústias e de escolhas tomadas no passado.

Quem se interessar pelo documentário pode vê-lo na íntegra a seguir:

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Simonal - Ninguém Sabe o Duro que Dei, Brasil, 2008. Dirigido por Claudio Manoel, Micael Langer e Calvito Leal. Com: Chico Anysio, Tony Tornado, Sérgio Cabral, Simoninha, Bárbara Heliodora, Luís Carlos Miele, Nelson Motta, Ziraldo. 84 minutos. Gênero: Documentário.

Nota: 10.0

The Letter (1940)

2011-10-06T05:52:00.005-03:00

Foto 1 - Bette Davis implacável como Leslie Crosbie em 'A Carta'

A partir dos interesses envolvidos, a história de um assassinato, pode ter muitas versões. No entanto, a existência de uma carta altera todo o desenrolar dos fatos, e aponta para um único caminho, o da verdade. ‘A Carta’ é a terceira parceria do diretor William Wyler com a atriz Bette Davis. Nele, a atriz interpreta a Leslie Crosbie, uma mulher que desde a primeira cena mostra-se calculista e autocentrada – sendo esse estereótipo reforçado pelo hábito da personagem de fazer clochê. Além disso, a primeira cena já é bastante impactante e pouco convencional para um filme produzido em 1940 pelo fato de ser realizada por uma mulher. Estou me referindo ao momento da morte do Jeff Hammond e aos momentos que seguem, onde ela conta o que ocorreu ao marido e a outros personagens.

A partir daí inicia-se um procedimento legal que caminha para que a ré seja inocentada, pois ela teria cometido o assassinato em legítima defesa. Até que um evento inesperado acontece. Junto ao corpo havia uma carta da Leslie que contradizia o álibi de que há muito ela não mantinha contato com o Jeff. Inclusive, a cena em que a Leslie é colocada contra a parede pelo seu advogado é ótima. É aquele tipo de situação em que se dá corda para a pessoa se enforcar e onde a pessoa mente descaradamente, até o momento que a verdade surge, e o mentiroso fica procurando um buraco para se esconder.

Entre chantagens, compra de provas e envolvimento direto do advogado nesses crimes, Leslie consegue ser inocentada. Mesmo conseguindo o perdão de todos, inclusive do marido, ela mesma não consegue esquecer a motivação do crime. Bette Davis tem uma ótima atuação, sempre precisa e bastante controlada em seus gestos e nas suas falas. Ela consegue fazer muito bem esses papéis que normalmente não tem a simpatia do público. Não é nada que se compare à Regina Giddens de The Little Foxes, mas Leslie Crosbie em menor dose também é manipuladora, simulada, egocêntrica e egoísta.

O longa não chega a entrar no hall dos memoráveis, mas está cheio de bons momentos da Bette Davis. Com ele, ela conseguiu sua quinta indicação ao Oscar, figurando na lista de melhor atriz pelo terceiro ano consecutivo. Com um forte caráter de thriller, Bette Davis conseguiu mostrar seu total domínio sob os papéis que executava. Não falta nada, sua postura, seus gestos e inflexões são tão precisas quanto deve ser o ato de matar alguém sem deixar rastros. Há exatos 22 anos, a atriz que foi considerada a ‘The First Lady of Film’ nos deixava, e essa é a forma que o chá de poejo tem de homenageá-la.
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The Letter (A Carta), Estados Unidos, 1940. Dirigido por William Wyler. Com: Bette Davis, James Stephenson, Herbert Marshall. 95 minutos. Gênero: Drama.

Nota: 8.0

Hearts and Minds (1974)

2011-09-20T23:11:00.006-03:00

Foto 1 - Cena clássica que vem a memória quando se fala da Guerra do Vietnã. A criança nua, no centro da imagem, é Phan Thi Kim Phuc que fugia do seu povoado que acabara de ser bombardeado por Napalm.

A Guerra do Vietnã é um tema recorrente na filmografia norte-americana. Ela está presente em filmes direcionados apenas ao assunto, como é o caso de Platoon (1986), Nascido para Matar (1987), Apocalypse Now (1979) – de onde não sai da minha cabeça aquela cena com a Cavalgada das Valquírias -, ou longas que tocam no acontecimento histórico, como Hair (1979) e Forrest Gump (1994), apenas para citar alguns. No entanto, este post é dedicado a ‘Corações e Mentes’, um documentário premiado com o Oscar de 1975.

Mais uma vez, a sociedade ‘guardiã’ da democracia é mostrada manchada por seus atos irresponsáveis e criminosos. Na dinâmica da Guerra Fria, os EUA passam a intervir no Vietnã com medo de que a ‘teoria do dominó’ se concretizasse. Essa teoria imaginava que o sudeste asiático estava enfileirado tal como peças de um dominó, e que se apenas uma peça cedesse ao comunismo, todas as outras seriam abaladas. Diante da eminente vitória do líder comunista Ho Chi Minh, via pleito eleitoral em 1956, o governo do presidente Eisenhower deu respaldo a um governo ditatorial, mas com pretensões capitalistas no Vietnã do Sul, ante um governo comunista no Norte.

É incrível como o documentário consegue captar o grau de alienação da população estadunidense. Em uma dada entrevista, alguns não conseguem nem ao menos indicar qual dos dois ‘vietnãs’ é o de tendência comunista ou capitalista. Na verdade, a lógica de dominação das mentes pela ideologia da grandiosidade americana é uma constante na película. Alguns nem mesmo sabem o porquê de ir à guerra, apenas vão porque foram ensinados a ir. Mães que se orgulham de ter um filho morto na guerra quando na verdade não há motivo para tanto, já que a verdadeira razão de orgulho já não existe mais. Estima-se que pelo lado americano foram 58 mil baixas, sem contar o número de mutilados, e pelo lado vietnamita, o valor é impreciso, mas fica entre os aterradores 1 e 3 milhões.

Outro elemento impressionante é o discurso de superioridade dos combatentes e da população dos Estados Unidos, onde o adversário era tratado como inferior, primitivo e irracional. E ainda havia os que diziam não se importar com o que ocorria no país asiático, pois o seu estilo de vida não tinha sido afetado e que aquilo não o atingia. Bem, o que essas pessoas diriam após o 11 de setembro?! Além disso, fica candente o afastamento dos combatentes que por realizarem um trabalho totalmente afastado do resultado final, nem imaginavam as consequências dos seus feitos, até serem deparados com a realidade. Vale salientar, que os mais modernos e cruéis meios de destruição, para a época, foram utilizados pelo exército americano, tais como, as bombas de napalm e fósforo branco, além de armas químicas como o agente laranja.

‘Corações e Mentes’ é um excelente documentário que mostra desde a introdução da ideologia americana (leia-se ideologia como crença incutida e tida como única e, por isso, verdadeira), principalmente, pelos discursos feitos pelo George Coker, ex-prisioneiro de guerra, passando pela apatia e desconhecimento da população, até o cinismo dos presidentes americanos que governaram o país durante a guerra. Além disso, mostra a perspectiva e o ponto de vista dos vietnamitas, coisa rara em produções americanas, mostrando inclusive, com cenas fortes, o pesadelo que eles viveram, mas sempre resistindo e no final, saindo vencedores. É um pedaço da história que sempre precisa ser revisitado e ver o documentário é uma experiência que vale a pena.
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Hearts and Minds (Corações e Mentes), Estados Unidos, 1974. Dirigido por Peter Davis. Com: J. William Fulbright, Georges Bidault, Clark Clifford, George Coker. 112 minutos. Gênero: Documentário/Histórico.

Nota: 10.0

Good Night, and Good Luck. (2005)

2011-09-11T13:46:00.005-03:00

Foto 1 - David Strathairn como Edward R. Murrow

Essa semana, após uma aula de apresentação da disciplina, o professor que falava das variações institucionais entre vários países pelo mundo, resolveu falar sobre os cargos mais importantes dos Estados Unidos. Ele citou, em ordem de importância, o Presidente da República, o Presidente da House of Representatives, e em seguida, os Presidentes das Comissões Permanentes (Committee) da House of Representatives. Em seguida, ele olha para mim, aponta para mim, e pergunta: Qual a primeira coisa que vem na sua mente, quando alguém lhe fala sobre o Macartismo? Após um breve delay, e dele reafirmar, que estava falando comigo, e eu responder que sabia disso, eu disse: ‘a política de caça aos comunistas nos E.U.A.’.

Esse fato fez um amigo perguntar-me se eu já tinha visto um filme, recente, que tinha essa temática, e eu disse que não. No momento, ele não se lembrou do nome, apenas um pouco depois, quando já conversávamos com uma amiga. Eis que o filme era o ‘Good Night, and Good Luck.’. Uma opinião precipitada, principalmente, advinda de pessoas simpatizantes de filmes com muitos efeitos especiais e uma carga insuportável de ação, logo pensaria: Que filme chato, monótono e, além disso, em preto e branco! No entanto, eu diria que essa é uma definição impensada e simplista de um longa que se sustenta pelo seu roteiro, e nos seus diálogos rápidos (às vezes até demais) e interessantes.

É muito bem explorada na película a histeria anticomunista que tomava conta dos Estados Unidos no pós-2ª guerra mundial. Em muitos casos, como fica evidenciado, as acusações eram feitas sem nem mesmo haver provas definitivas do envolvimento de cidadãos americanos com Moscou. No filme, essa paranóia fica resumida na sua figura mais candente – a do senador Joseph McCarthy. Ao se considerar um cidadão traidor, já que o possível ato era considerado antipatriótico – as pessoas eram submetidas à inquéritos, e tinham suas vidas devassadas. Além disso, muitos eram levados ao exílio, condenados à pena de morte, à miséria ou ao suicídio (como se mostra no filme).

Com um elenco que conta com atores/atrizes interessantes, o destaque vai mesmo para o David Strathairn que interpreta muito bem o jornalista Edward R. Murrow. Ele que foi um ferrenho opositor das táticas empregadas pelo Senador que estimulava a delação, e o desrespeito às liberdades constitucionais dos indivíduos. Após uma série de críticas, e a indignação da população americana (que demorou muito), McCarthy teve seus últimos dias no ostracismo, e representava uma vergonha para a opinião pública do país. Ele é um exemplo, do que a manipulação de mentes pode ocasionar, mesmo em um Estado, onde os indivíduos se orgulhavam dos seus direitos políticos e civis idealizados como invioláveis e sacros.
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Good Night, and Good Luck. (Boa Noite, e Boa Sorte.), Estados Unidos, 2005. Dirigido por George Clooney. Com: David Strathairn, George Clooney, Robert Downey Jr., Patricia Clarkson, Frank Langella, Jeff Daniels, Thomas McCarthy. 93 minutos. Gênero: Drama/Histórico.

Nota: 9.0

Gotan Project no MIMO 2011

2011-09-09T11:33:00.005-03:00

Conheci o Gotan Project em uma viagem que fiz há um ano a Buenos Aires, e ontem, tive a oportunidade de presenciar um bom show da banda na Mostra Internacional de Música em Olinda. Banda idealizada por um suíço, um francês e um argentino que tem como proposta reiventar o tradicional tango com arranjos eletrônicos. Interessante que o grupo também investe em uma identidade visual marcante, seja nos shows, seja nos seus videoclipes. A apresentação de ontem contou com sucessos como: "Una Musica Brutal", "Epoca", “Queremos Paz”, “Diferente”, “Santa Maria” e “Mi Confesión”.

El Secreto de sus Ojos (2009)

2011-07-30T09:27:00.004-03:00

Foto 1 - Soledad Villamil e Ricardo Darín em 'O Segredo dos seus Olhos'

Eu tenho pequenos e bons comentários acerca da película. Interessante como o diretor com um ótimo argumento prende o espectador numa mescla de romance e thriller. Além disso, paira no ar uma dimensão cômica. E nisso vale destacar o papel fundamental da bela e competente atriz Soledad Villamil que interpreta a eupátrida Irene. Há muitos diálogos interessantes e inteligentes, e mais admirável ainda é o time do elenco para o elemento cômico das conversas.

Este é um daqueles filmes que retratam bem o cotidiano de um personagem, e por isso mesmo, a época em que viveu. O fascínio e obsessão do Espósito pela morte de uma garota, faz o roteiro passear, mesmo que de forma rápida, pela ditadura argentina, pela paixão que se tem nesse país pelo futebol, além de alertar para as artimanhas suboficiais que permeiam/permeavam o sistema de justiça. É uma película extremamente recomendável, seja pela maestria pela qual o diretor a conduz, seja pela beleza da sua fotografia muito bem realizada. Tem um enredo astuto, belo e perspicaz combinado com um elenco de primeira, desde os principais até os de apoio.

Não há muito que falar sobre esse filme. Parece que a análise feita no futebol serve para ele. Diz-se que quanto menos se fala da atuação do juiz em uma partida, melhor foi a sua atuação. E é exatamente assim que me sinto, e que penso em relação ao longa do Juan José Campanella.
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El Secreto de sus Ojos (O Segredo dos seus Olhos), Argentina/Espanha - 2009. Dirigido por Juan José Campanella. Com: Ricardo Darín, Soledad Villamil, Guillermo Francella. 127 minutos. Gênero: Drama, Policial, Romance.

Nota: 9.0

A crônica da tragédia anunciada

2011-07-23T16:07:00.006-03:00

“Wish I could say it breaks my heart”. Para quem viu o show da Amy Winehouse no começo do ano, e agora há pouco, ouviu a notícia da sua morte, fica o pensamento: Foi-se mais um talento, muito antes da hora! Levando em consideração que fora também aos 27 anos que morreram o Jimi Hendrix, Jim Morrison, Janis Joplin e o Kurt Cobain. Como era bom vê-la sorrindo e soltando aquela puta voz. Lembro que no post que falei sobre a sua passagem aqui pelo Recife, foi comentado o fato dela causar, fazer show bêbada, o que às vezes a fazia cair no palco. Tudo isso era o que muita gente esperava em suas apresentações, e é ainda o que se ler nos comentários a cerca do seu falecimento. Mas o importante é que fica um legado, e uma lembrança. Ela, mesmo estando presente no cenário musical só há oito anos, foi capaz de causar todo esse burburinho quando da sua morte. Na verdade, e todos sabem, isso foi a crônica da tragédia anunciada. É aquilo, a gente imagina que vai acontecer, só não quer acreditar que aconteceu ou que acontecerá. Que, nós e os que virão, possámos/possam curtir e conhecer uma das vozes que mais marcou durante quase uma década.

Boas cenas, belas músicas

2011-07-21T21:17:00.004-03:00

O David Lynch, para mim, é mestre em transformar situações graciosas, repentinamente, em medonhas. Como ultimamente tenho revisto/visto alguns dos filmes desse diretor, nada melhor do que ressuscitar as postagens que levam o título ‘Boas cenas, belas músicas’ com duas cenas dele. Há mais de um ano que não posto nada relativo a isso, e, veja a coincidência, a última vez que o fiz, foi justamente com um filme do Lynch – Cidade dos Sonhos – que nem lembrava ter sido a última desse tipo de postagem. Apenas uma observação: Apesar de muitas vezes, e eu digo, muitas mesmo, a construção do diretor parecer e ser sem ordem, o que dificulta o entendimento do que está acontecendo, não dá para tirar os olhos das suas películas, incrivelmente, o espectador não perde o seu interesse. Os seus filmes são hipnóticos! Até porque levantar questões, abrir lacunas e criar enigmas e suspense também faz parte da arte cinematográfica.

A primeira cena que me chama bastante atenção na filmografia do Lynch é a que se passa em ‘Veludo Azul’. Ela retrata, ironicamente, o modo de viver norte-americano. É a autocrítica de um cidadão que sempre que possível mostra para o mundo quão patética e superficial é aquela sociedade. O que literalmente o diretor quer indagar na cena a seguir é: O que se esconde por detrás de um lindo gramado verde? E ele não apenas sugere como dá de forma alegórica uma resposta. E o melhor de tudo, a cena mesmo sendo caótica, torna-se bela! A música é a Blue Velvet cantada pelo Bobby Vinton.

Já a outra cena ocorre em ‘Coração Selvagem’. Os dois principais personagens têm duas manias/interesses singulares, enquanto a Lula adora ‘O Mágico de Oz’, Sailor é fã de Elvis Presley – daí a cena a seguir. Eu só não vou dizer a razão pela qual ele canta essa música para a Lula. Apenas um parêntese, para não deixar passar em branco, o Lynch nesse mesmo filme continua com a sua vertente crítica, e em uma das cenas deixa claro o seu descontentamento com o tipo de notícias a que somos bombardeados diariamente pelos meios de comunicação. Mas voltando ao espírito da publicação, ainda cito, além da música tema da cena – Love me Tender - Be-Bop a Lula, Wicked Game e Baby Please Don't Go, que também ajudam a deixar o longa melhor.

Não é possível incorporar o vídeo no blog. Para vê-lo no youtube, clique aqui.

Para ler uma pequena matéria que saiu na Revista da Cultura em setembro de 2008 sobre o diretor, clique aqui.

Midnight in Paris (2011)

2011-07-14T02:32:00.006-03:00

Foto 1 - Marion Cotillard e Owen Wilson em 'Meia-noite em Paris'

Nas informações sobre ‘Meia-noite em Paris’ tem-se que o gênero do filme é: ‘comédia-romântica’, talvez isso explique, pelo menos em parte, o público presente na minha sessão. A película está longe de ser romântica ou engraçada – no sentido puro e simples de provocar risos banais – mas possui uma carga de cinismo e sarcasmo. O que se ver é uma ode à beleza de Paris, à arte e à vida.

Gil (Owen Wilson) é um apaixonado pela noite e beleza de Paris, sua chuva, suas luzes, suas ruas. Para ele, a cidade transpira e respira o ar do que melhor se produziu em termos de cultura no início do século passado. Em certo momento, não interessa necessariamente como, ele começa a ter contato com a intelectualidade boêmia que habitava a cidade nos anos de 1920. A viagem ao tempo do protagonista é repleta de encontros com pessoas interessantes e cheia de conversas instigantes, tudo o que ele não tinha no ‘mundo real’ – onde convive com dois tipos de esnobes e pedantes, o intelectual e o econômico.

O culto ao passado (onde se diz que o tempo atual é menos interessante comparado ao que já passou) que é um sentimento bem comum a muitas pessoas é um dos grandes motes do longa. Contudo, com o passar do filme, percebe-se que o argumento defendido é que é preciso conhecer o que foi produzido no passado, mas é um desperdício viver nele, pois o presente é o único tempo que se tem. Assim, você pode aproveitá-lo não o perdendo com os tipos caricatos – para não dizer patéticos dos esnobes e pedantes – que se ver no próprio filme, e ainda, tentando ressignificar aquilo que se acha fenomenal e que foi feito anteriormente, e procurando companhias que possam acrescentar algo. O jogo é: ter o passado como baliza, não como fim em si mesmo. O que é importante notar é que quem idealiza isso, é um homem com mais de 70 anos, que vê nessas pessoas clássicas o ponto de partida para a sua produção cinematográfica.

Devo ainda falar sobre as atuações. O Owen Wilson, realmente, me surpreendeu. Ele que sempre interpreta papeis onde ele e o resto da produção do filme nunca o leva a sério, encontra-se bem. Para dizer a verdade, fez-me lembrar em vários gestos o próprio Woody Allen e o ‘time’ cômico do mesmo, e essa memória fica mais viva, depois de ter visto recentemente ‘Dirigindo no Escuro’. Para dizer a verdade, o Allen escreveu o papel para ele mesmo atuar, só que, ele não tem mais a idade que o papel parece exigir. E todo o resto do elenco está perfeito, a Rachel McAdams como a noivinha irritante, a Marion Cotillard irradiando seu talento e beleza, a Kathy Bates como a aglutinadora de vários artistas e o Adrien Brody como o Dalí aparentemente louco, mas genial.

‘Meia-noite em Paris’ é uma crítica a apatia e falta de criatividade dos tempos atuais, mostrando o diretor e roteirista que a busca do passado que pode ser o ponto de partida, também não pode ser encarado como o intangível e sacro. Da mesma forma que de forma causal se diz que há uma relação direta entre nível de educação e renda, também posso dizer que quanto maior o conhecimento do espectador, em termos de arte e literatura, maior será a sua estima pela película. Digo isso, pois, há várias nuances no filme, que só consegue perceber quem conhece alguns aspectos das obras dos citados, ou os seus trejeitos. Nesse sentido, vê-se o Gil sugerindo ao Buñuel o enredo de ‘O Anjo Exterminador’, a rispidez do Ernest Hemingway que viveu e cobriu a Guerra Civil Espanhola, o relacionamento entre os Fitzgeralds, e a genialidade dos pais do cubismo e do surrealismo, respectivamente, Picasso e Dalí. E cabe aqui, o que já escrevi em um post sobre ‘Os dez mandamentos’ do Cecil B. DeMille. Para toda discussão sobre saudosismo, e o legado dos antecessores, vale as palavras do Calvino (1993, p. 15), "É clássico aquilo que persiste como rumor mesmo onde predomina a atualidade mais incompatível." E todos esses nomes citados continuam sendo ‘rumores’, mesmo estando mortos há muitos anos.

Referência Bibliográfica:

CALVINO, I. (1993). Por que ler os clássicos. (trad) Nilson Moulin, Companhia das Letras, SP.

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Midnight in Paris (Meia-noite em Paris), Espanha/Estados Unidos - 2011. Dirigido por Woody Allen. Com: Owen Wilson, Marion Cotillard, Rachel McAdams, Carla Bruni, Kathy Bates, Adrien Brody. 100 minutos. Gênero: Fantasia.

Nota: 8.5

Eu estudo essa grande invenção que é a sociedade

2011-06-07T22:38:00.003-03:00

Foto 1 - Deus inventando o homem segundo Michelangelo

Resolvi escrever esse texto para tentar encerrar de uma vez por todas aquele assunto que sempre emerge quando eu conheço alguém novo. Uma pergunta clichê é saber o que diabos a nova pessoa faz da vida, e quando eu digo que estudo Ciência Política, e que sou formado em Ciências Sociais, várias reações nascem. A principal e imediata é perguntar o que uma pessoa que estuda isso faz, mas na verdade, o que se queria perguntar era: Qual a importância disso? E a pergunta fica sempre sem resposta, porque não vou usar o meu latim com isso no meio de uma festa. Pois bem, vou contar uma historinha.

Como esse texto não tem finalidades acadêmicas, vou furtar-me ao direito de ir direto ao ponto. A sociedade não é o reino de fatos concretos e brutos. Na verdade, ela é a manifestação de crenças e visões de mundo. Ela é regida por idéias e formas imaginárias de organização e convivência. A verdade é que a sociedade é uma grande invenção. Normalmente, a palavra invenção é empregada com bastante facilidade para o domínio da técnica, da engenharia. Então se sabe que Santos Dumont inventou o avião, que Thomas Edison inventou a lâmpada elétrica; e que Antonio Meucci inventou o telefone. No entanto, a palavra invenção tem lugar fundamental no domínio das coisas culturais, políticas e sociais.

Vamos pegar um exemplo da história, como a Revolução Americana de 1776. Ela representou uma ruptura dos colonos americanos com a Coroa britânica, não necessariamente por motivações nativistas, mas pela existência de uma sobrecarga de impostos. O anseio dos membros das treze colônias era por uma maior participação nas tomadas de decisões que vinham de Londres. A idéia era mais ou menos essa: sem representação/participação política não há taxação. Findada a revolução, e ocorrida a separação, os agora, americanos, precisavam inventar novas instituições para controlar a desordem que estava instalada no nascente País. Diante disso, sabia-se o que não se desejava criar: 1. Um sistema absolutista, contra o qual tinham acabado de lutar; e 2. Uma democracia, que no séc. XVIII não possuía um significado positivo como atualmente. A grande sacada dos ‘pais da nação americana’, em especial Madison, é a invenção de um sistema onde a maioria escolhe a minoria que vai governá-la. Essa idéia que hoje parece trivial, na época era genuína e inédita, ou seja, a escolha de representantes era algo sem nenhum tipo de precedência na história.

Nesse sentido, a ‘representação política’ não é um dado da natureza, como é a gravidade, que existe independentemente da vontade humana. A idéia de representação foi inventada, possui um inventor, da mesma forma que os direitos humanos também o tem, e assim por diante. Um cientista social preocupa-se com essas invenções, seu surgimento, suas características, conseqüências e mutabilidade. Nos interessa, por exemplo, as instituições políticas, a criação do Estado, as relações de trabalho, de gênero e raciais, a religião e a economia, dentre vários outros campos de atividade humana. Assim, o efeito dessas invenções é a configuração de formas de organização da sociedade. E a depender dessa configuração política, cultural, ideológica, ela terá uma formatação específica.

Por isso, da próxima vez que indagado sobre o que você faz, meu caro colega, cientista social, responda, sem modéstia: Eu estudo essa grande invenção que é a sociedade.

Central do Brasil (1998)

2011-05-30T21:04:00.003-03:00

Foto 1 - Fernanda Montenegro e Vinícius de Oliveira em Central do Brasil

Em ‘Central do Brasil’, Fernanda Montenegro que interpreta Dora, mostra como se transformar em um mesmo filme, um ‘anti-heroi’ em uma mulher doce, que de tão maltratada pela vida, torna-se áspera e seca. Dora escreve cartas, na Central do Brasil, no Rio de Janeiro, e apesar das várias histórias simples, e por isso mesmo, tocantes que redige todos os dias, não consegue sentir nenhum tipo de sentimento. Há nisso um contraponto, Irene (Marília Pera), que apesar de não ser nenhuma flor que se cheire, funciona como o superego de Dora, dotando-a de compaixão pelo próximo e senso de limite nas suas atitudes.

A fotografia do filme é ótima, sem pudor, a produção mostra um Brasil através das estradas, palavrões, transporte público caótico, um clima angustiante e uma violência desnecessária, mas real. Então você pensa... Como um roteiro extremamente simples e controverso conseguiu tamanho êxito? E eu digo, mas são nas coisas simples que reside a beleza. A história tem caráter totalmente universal. Trata-se: 1) da busca de um parente por um garoto só no mundo, 2) um garoto ansioso por encontrar um familiar que mesmo desconhecido é a sua razão para viver, e 3) no reencontro de uma mulher consigo mesma. Mas é preciso dizer, mesmo com esse enredo com bastante apelo emotivo, em momento algum, o longa beira o piegas, e isso devido a força das interpretações vistas.

É estranho, para mim, ter que ver, nas novelas, uma performance abaixo daquela que já foi (e ainda é) uma atriz aclamada por muitos. Se Fernanda Montenegro para você é apenas a Bia Falcão, meu caro, Central do Brasil e Eles Não Usam Black-Tie são os filmes certos para você. Indubitavelmente, nesses filmes estão uma das melhores atuações que eu já pude ver. Eu sou um daqueles que acha que Fernanda Montenegro deveria ter ganhado de lavada, da sem-graça e aguada, Gwyneth Paltrow no Oscar de 1999. Fernanda junto com o Vinícius de Oliveira consegue ser tocante ao extremo, prendendo a atenção do espectador desde os primeiros minutos de filme. Central do Brasil é um filmaço pelas interpretações e por mostrar o Brasil na sua forma mais crua!

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Central do Brasil, Brasil - 1998. Dirigido por Walter Salles. Com: Fernanda Montenegro, Vinícius de Oliveira, Marília Pêra. 113 minutos. Gênero: Drama.

Nota: 10,0

10 músicas para os apaixonados de plantão

2011-05-18T21:10:00.002-03:00

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Aos 106 anos do Sport Club do Recife

2011-05-13T14:24:00.001-03:00

O Sport Club do Recife foi fundado por um pernambucano chamado Guilherme de Aquino em 13 de maio de 1905. E o fundador da nação rubro-negra proclamou: "O Sport será um autêntico campeão, pois nasceu sob o signo da valentia e dele jamais se apartará."

O Sport, que hoje completa 106 anos, é repleto de histórias e glórias, entre elas a conquista do título de Leão do Norte, em 1919. Troféu conquistado na bola e na tapa, em Belém do Pará. E desde então, o Leão é o símbolo máximo da torcida rubro-negra.

O clube tem momentos memoráveis, como o gol de Haroldo Praça, responsável pela vitória do Sport contra o Santa Cruz, na inauguração da Ilha do Retiro, em 1937.

O Sport sempre teve jogadores históricos, que atuaram em outras grandes equipes do futebol nacional, internacional e na seleção brasileira, como: Ademir Menezes - o ‘Queixada’, Traçaia, Roberto Coração de Leão, Bosco, Leomar, Leonardo, Juninho Pernambucano.

Meu time tem um patrimônio físico de dar inveja a muitos ditos “grandes” times do país.

O Sport Club do Recife detém três títulos nacionais de futebol: 1 brasileiro da série A (1987); 1 Copa do Brasil (2008) e 1 brasileiro da série B (1990), além de duas participações em Libertadores da América (1988 e 2009). Tem ainda 2 Copas do Nordeste (1994 e 2000) e 39 títulos pernambucanos, além de dois vice-campeonatos, 1 vice-campeonato da Copa do Brasil (1989) e 1 vice-campeonato da Copa dos Campeões (2000).

Meu time faz parte da elite do futebol nacional, o Clube dos Treze (União dos Grandes Clubes Brasileiros), sendo respeitado como uma força do futebol do Brasil.

Meu time tem uma torcida grande e que está entre as maiores do Brasil, conta com o apoio de cerca de 3,3 milhões de fanáticos e apaixonados torcedores, inclusive na frente de torcidas de outros times campeões brasileiros como Botafogo, Bahia, Fluminense e Atlético Paranaense.

O Leão sempre mostrou luta e garra nos confrontos pelo Brasil, e na sua casa, a Ilha do Retiro, sempre se mostrou competitivo e quase imbatível. Sempre conquistou títulos sob forte pressão, contra tudo e todos. Meu time conquista títulos brigando com raça e dentro dos gramados. O Sport representa a força rubro-negra pernambucana. É um time arretado! Não à toa é considerado um time clássico pela FIFA (ver aqui), ao lado do, Arsenal, Cruzeiro, Barcelona, São Paulo e outros.

Parabéns ao Sport Club do Recife por ser esse clube que ‘encanta, enobrece e dá prazer’ e que apesar das suas limitações é ‘uma razão para viver’. Porque esse é o ‘Sport que emociona, é o Sport que a gente ama’!

Bibi Ferreira e o monólogo das mãos

2011-05-08T12:02:00.001-03:00

O que é bom deve ser mostrado e valorizado! Bravo, Bibi, bravo!!

Mississipi em chamas, direitos inalienáveis e união homoafetiva

2011-05-06T16:15:00.003-03:00

La Liberté guidant le peuple (A Liberdade guiando o povo) de Delacroix

“O que é ‘direito inalienável’ se você é um negro? O que significa ‘igual tratamento diante da lei’ se você é um negro? O que significa ‘liberdade e justiça para todos’ se você é um negro?” Essas são indagações feitas no filme ‘Mississipi em Chamas’ e que se encaixam perfeitamente nesse texto. Ontem, 05 de maio de 2011 os Ministros do Supremo Tribunal Federal do Brasil decidiram por equiparar os relacionamentos entre os homossexuais ao dos heterossexuais, dando-lhes status de união estável, com propósito de criar uma família. No entanto, para além da vitória de um dado segmento populacional, estamos falando da vitória da dignidade humana, algo geral, e que transcende o fato de se ser branco ou negro, homem ou mulher, rico ou pobre, gay ou não.

Apesar de tão antiga, essa ideia geral, de opor-se a intolerância não é um fato estabelecido nas sociedades. Filmes ainda da era do cinema mudo já atentavam para isso. D.W. Griffith em um de seus épicos de nome justamente – Intolerância – aborda a questão a partir de quatro histórias: 1) Na Babilônia, onde o ódio religioso é o estopim para a queda de um império; 2) Na Judéia, onde a inveja e o medo de perder o status quo estabelecido fazem com que Fariseus levem Jesus à morte; 3) Em Paris, na noite de São Bartolomeu, em 1572, onde a rainha Catarina de Médici ordena a execução de milhares de protestantes; e 4) Nos Estados Unidos, onde puritanos reformadores acabam com a união e felicidade de dois jovens.

Mas o que intolerância tem a ver com isso? Ela é um dos grandes obstáculos a consolidação e extensão de direitos nas sociedades, em especial, os direitos civis. Os direitos civis englobam os direitos fundamentais à vida, à liberdade, à propriedade, à igualdade perante a lei. Sabe o Iluminismo, lembra disso? Pois bem, foi no século XVIII que esses temas começaram a ser tratados sistematicamente. E, posteriormente, na Revolução Americana e na Francesa de 1789, eles foram confirmados como fundamentais, e desde então, muitas Constituições ocidentais, inclusive a brasileira, incorporam essas cláusulas como pétreas. Esses direitos fundamentais ainda se desdobram na garantia de ir e vir, de escolher o trabalho, de manifestar o pensamento, de organizar-se, de ter respeitada a inviolabilidade do lar e da correspondência, de não ser preso a não ser pela autoridade competente e de acordo com as leis e de não ser condenado sem processo legal regular. Enfim, estamos falando da liberdade individual.

Mas, mesmo com esse marco regulatório, muitos grupos vivem sofrendo Discriminação*, Preconceito** e Racismo***. E em muitos casos, para reverter a situação, precisa-se da intervenção de poderes do âmbito federal, tal como se passa em Mississipi em Chamas. Em uma pequena cidade a segregação divide a população em brancos e negros e a violência contra os negros é uma constante. Neste contexto, dois agentes do FBI investigam as supostas relações das mortes com a Ku Klux Klan (KKK) que atua deliberadamente na localidade, inclusive com a conivência dos poderes públicos. Essa mesma Ku Klux Klan é retrata em outro filme do mesmo D. W. Griffith – O Nascimento de uma Nação – que em linhas gerais exalta a escravidão e justifica a existência da segregação racial. Nesse controverso longa, explica-se que a KKK surgiu para ir contra os abolicionistas, mulatos e republicanos. Por ser algo bastante arraigado na sociedade estadunidense (o racismo), é apenas no período entre 1961 e 1968, nos governos de John Kennedy e Lyndon Johnson, que o governo federal dos Estados Unidos, adota medidas contra a segregação racial com o apoio da Corte Suprema. Porém, como esperado, houve grande resistência às medidas nos estados sulistas. Nessa época, é válida a atuação de Martin Luther King, em especial, com a Marcha sobre Washington de 1963. Estas ações levaram o Estado norte-americano a sancionar o Ato dos Direitos Civis (igualdade racial de direitos) e o Ato dos Direitos do Voto (proibição de medidas que invalidassem o direito de voto dos negros). Por outro lado, vale a nota de que o primeiro homossexual abertamente assumido (Harvey Milk), a ocupar um cargo público ocorreu apenas nos anos de 1970, no importante Estado da Califórnia, no mesmo EUA.

Dessa forma, os dois casos, o dos casais homoafetivos no Brasil, e dos negros nos Estados Unidos, mostram-se emblemáticos por serem acontecimentos decididos a partir da intervenção da instância máxima do Poder Judiciário, e acima de tudo, da vitória da herança Iluminista pautada em direitos inalienáveis. Pense que a defesa de uma atitude discriminatória ou preconceituosa frente a um grupo, justifica o mesmo tipo de comportamento perante outros grupos. A aplicação de direitos não é algo que existe na natureza, como um dado, mas é um construto social, e tal como a amizade, vive a partir de laços de confiança. Como esses laços são muito voláteis, flexíveis e com baixo poder de tensionamento, todos os esforços para a sua manutenção são ainda pouco satisfatórios. Ou seja, para além das leis, é preciso vigilância da população, visto que qualquer pessoa que vê episódios de discriminação e ignora, é tão culpado pelo quadro geral existente na sociedade, quanto aquele que puxa o ‘gatilho’.

Finalizo esse texto com uma fala da atriz Frances McDormand (Sra. Pell) que faz o papel de esposa de um dos responsáveis pelos assassinatos dos negros na cidade, e peça chave para o desvendamento dos crimes em Mississipi em Chamas.

- É feio.
- Esta coisa toda é tão feia.
- Você sabe o que é conviver com tudo isto?
- As pessoas nos vêem como fanáticos e racistas.
- O ódio não nasce com as pessoas.
- Ele é ensinado.
- No colégio, diziam que a segregação estava na Bíblia.
- Gênesis 9, versículo 27.
- Aos 7 anos você já ouviu o bastante, e passa a acreditar.
- Você acredita no ódio.
- Você vive o ódio, respira o ódio.
- Você se casa com ele.

Boa reflexão!
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*tratamento injusto de pessoas devido ao seu pertencimento a determinado grupo;
**atitude de se julgar uma pessoa com base nas características reais ou imaginárias de seu grupo;
***crença segundo a qual uma característica visível de um grupo, como por exemplo, a cor da pele, indica sua inferioridade e justifica a sua discriminação.

Ferreira Gullar pode nos ajudar a escrever críticas de cinema

2011-04-27T21:44:00.001-03:00

"Você acha que exposição que nos mostra larvas de mosca é arte? Pode até ser muito interessante, mas não tem nada a ver com arte. A arte existe porque a vida não basta, a vida é pouca. E a arte nos traz coisas belas, fascinantes, atordoantes, maravilhosas. É para isso que existe. Não serve para mostrar larva de mosca. Eu sou o único crítico que diz essas coisas. Todo mundo fica com medo de parecer retrógrado. Todo mundo é avançado, moderno. Eu estou cagando para a modernidade." Ferreira Gullar

Definitivamente isso pode nos ajudar nas nossas críticas cinematográficas. Quem se interessar pela matéria completa, só é clicar aqui. Ela está publicada na: Revista de História da Biblioteca Nacional, ano 5, nº 59, Agosto 2010.

Nuovo Cinema Paradiso (1988)

2011-04-13T16:59:00.004-03:00

Foto 1 - Totó e Alfredo no Cinema Paradiso

Cinema Paradiso personifica perfeitamente o verso da canção Celluloid Heroes do The Kinks:

I wish my life was a non-stop Hollywood movie show / A fantasy world of celluloid villains and heroes / Because celluloid heroes never feel any pain / And celluloid heroes never really die.

Cinema Paradiso é um filme sobre recordações e amor ao cinema. É como diz a música, ‘os heróis do cinema nunca sentem dor e nunca morrem realmente’, eles de fato permanecem no imaginário das pessoas, tornando-se imortais. É interessante notar como Giuseppe Tornatore mostra a paixão das pessoas pela grande tela, seja por parte de Totó, ou dos outros personagens que utilizam o espaço para infinitas atividades. No entanto, o impressionante é como a sétima arte passa a ser um elemento constitutivo e essencial ao convívio social daquela comunidade. Cinema Paradiso é uma verdadeira ode aos artistas da era de ouro do cinema, é a homenagem de um diretor a outros diretores como Pasolini e Renoir. É em suma, um tipo de intertextualidade, é o cinema falando dele próprio, sua evolução, seus nomes clássicos e sua receptividade no grande público.

O filme que possui três horas de duração pode ser facilmente dividido em três partes. O primeiro terço de Cinema Paradiso é uma obra-prima. Com elementos do neo-realismo italiano é capaz de momentos comoventes e divertidíssimos mesmo quando se busca representar a realidade social e econômica de uma época. Na primeira vez que vi o longa, achei que o ritmo narrativo era prejudicado no segundo terço dele. No entanto, vendo novamente a película, essa minha percepção mudou. A fase do Totó jovem, que se apaixona e acompanha um Alfredo cego, frágil e desiludido continua sendo repleto de diálogos inteligentes, sensíveis e universais. Como se não bastasse todos os ótimos momentos, ainda somos surpreendidos pelo final de Cinema Paradiso. Não irei nem contextualizar, para que quem ainda não assistiu, nem chegue a duvidar de nada, mas a cena é capaz de emocionar a qualquer um ao som da inesquecível trilha sonora do Enio Morricone. A homenagem que encontramos nessa película à sétima arte é impar, o que transforma "Cinema Paradiso" em um clássico. É, sem dúvida, obrigatório na memória de um bom fã do cinema.

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Nuovo Cinema Paradiso (Cinema Paradiso), França e Itália - 1988. Dirigido por Giuseppe Tornatore. Com: Philippe Noiret, Salvatore Cascio, Marco Leonardi, Jacques Perrin. 155 minutos. Gênero: Comédia, Drama e Romance.

Nota: 10.0

Entre Tinieblas (1983)

2011-04-11T19:03:00.015-03:00

Foto 1 - Irmãs Julia, Perdida e Rata de Beco, respectivamente, Julieta Serrano, Carmen Maura e Chus Lampreave

Pedro Almodóvar, realmente, consegue me surpreender e tirar boas gargalhadas de mim nos seus filmes totalmente mirabolantes. Eu que conhecia apenas suas produções recentes, realizadas a partir do ano de 1997, que, se diga de passagem, são, de fato, as suas melhores, me interessei pelos seus primeiros trabalhos produzidos nos anos de 1980. Destes, eu destaco o longa ‘Maus Hábitos’, que ao mostrar o dia a dia de um convento nada convencional consegue nos entreter. Entretenimento, eis a palavra de ordem, não veja a película pensando encontrar uma discussão profunda sobre a existência humana.

Almodóvar mostra que pode haver produções com essa finalidade sem que a inteligência do espectador seja colocada em cheque. Além disso, vemos um elenco formidável e conhecido – aliás, essa é uma das boas características do diretor – com um time muito bom para o cômico e o nonsense. Temos personagens pouco austeros para o ambiente que muitos julgam sagrado e sereno. E é engraçado como nada fica pesado ou ofensivo, quer dizer, talvez para mim, claro que os mais puritanos entrariam em choque com algumas passagens. Mesmo sendo em grande medida diversão, o filme tem um lado sério. Ele não satiriza apenas a religião, ele traz em si uma justificativa, e esse é um dos momentos, digamos, sério da película.

No cinema de Almodóvar é bem perceptível a existência de uma tensão com a igreja. Nascido em um país extremamente católico, e provavelmente, tendo tido uma educação que se valia dos princípios dessa religião, suas películas são reflexo desse seu conflito interior. Há uma passagem onde se argumenta exatamente o oposto do que nos é normalmente encucado. Há uma transgressão e inversão de raciocino que talvez seja a justificativa moral ou conforto espiritual do diretor para o seu estilo de vida que provavelmente não era dos mais ortodoxos. Justificativa porque mesmo não tendo uma vida comum, não consegue se desapegar das suas bases religiosas. Eis a passagem:

São nas criaturas imperfeitas que Deus encontra toda a sua grandeza. Jesus não morreu na cruz para salvar aos santos, e sim, para redimir os pecadores. Quando olho alguma destas mulheres (quem fala é Julia personagem de Julieta Serrano, e se refere a uma parede que há no seu quarto repleta de recortes de atrizes, dentre elas, Marilyn Monroe), sinto uma enorme gratidão, pois graças a elas, Deus segue vivendo e ressuscitado a cada dia.

O diretor espanhol que nos ensinou que o amor, na grande parte das vezes, é doentio, também nos fez/faz sorrir de situações pitorescas. Será que há uma identificação por conta de um ethos latino presente na formação ibérica e latino-americana? Provavelmente sim, mas de qualquer modo, suas cores vivas e pulsantes, seus enredos aparentemente confusos e seu humor escrachado são sempre elementos que nos fazem ir aos cinemas, tê-lo em nossas coleções, e sempre que possível, ver e rever seus personagens únicos.

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Entre Tinieblas (Maus Hábitos), Espanha - 1983. Dirigido por Pedro Almodóvar. Com: Cristina Sánchez Pascual, Carmen Maura, Marisa Paredes, Julieta Serrano, Chus Lampreave, Laura Cepeda, Lina Canalejas. 114 minutos. Gênero: Drama.

Nota: 8.0

A cortina de ferro à moda brasileira

2011-03-31T13:59:00.003-03:00

Em uma semana onde muitos se indignaram e discutiram temas como intolerância, preconceito, e reminiscências da ditadura de 64, parece que o episódio envolvendo o deputado Jair Bolsonaro foi feito sobre encomenda. Há exatos 47 anos, o Brasil entrava numa das suas fases mais conturbadas e difíceis politicamente e civilmente. Hoje, eu estou postando novamente um texto que escrevi em 13 de dezembro de 2008. Por quê? Essa semana foi prova de que o tema está mais vivo do que nunca, e que não se pode relaxar quando o tema é privação de direitos políticos e civis. Apresento, logo abaixo, uma tabela que, resumidamente, define o que, segundo José Murilo de Carvalho são os direitos civis, políticos e sociais. O texto não discute o início da ditadura, como a data de hoje marca, mas o AI-5, um dos atos mais obscuros e repressores dos 21 anos de regime militar.

Clique na imagem para vê-la em tamanho maior

Em 13 de dezembro de 1968, era promulgado o Ato Institucional número cinco, o famoso, AI-5. Neste ano, voltaram a ocorrer mobilizações contra o governo militar, sobretudo, entre operários e estudantes. Duas greves marcaram as manifestações operárias e os estudantes também saíram em marchas pela redemocratização. Numa dessas, o estudante Edson Luís fora morto. Para conter as manifestações de oposição, o general Costa e Silva decretou o AI-5, que dava poderes ao presidente para fechar o Congresso, as Assembléias Legislativas e as Câmaras Municipais. Além de poder cassar mandatos de parlamentares, suspender por dez anos os direitos políticos de qualquer pessoa, demitir funcionários públicos, decretar estado de sítio, e suspender garantias judiciais, como o habeas corpus, nos casos de crime contra a “segurança nacional”.

Desta maneira, o regime fechava todas as chances de expressão e oposição popular ao governo. Assim, a cortina de ferro à moda brasileira se constituía, estabelecendo um episódio de isolamento e extrema repressão, com relação a participação e mobilização política e cívica. Com o AI-5, a ditadura entrou em sua fase mais cruel, com perseguições, prisões, tortura e morte de opositores. Após quarenta anos, esse é um tema que sempre deve emergir do imaginário social. Este é um dos papéis da História, fazer surgir questões que não devem ser repetidas, além de contribuir para uma reflexão crítica. Mesmo vivendo em um Estado democrático de direito, ainda que formalmente, é fundamental que esta data, e o que ela significou para uma geração, seja sempre lembrada, e o seu significado debatido.

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*A imagem é uma adaptação minha, de uma famosa litografia do escultor estadunidense, Richard Serra. O original faz menção ao governo Bush, e ao invés de AI-5, tem escrito STOP BUSH.

**A parte histórica do texto foi construída a partir do Livro – CARVALHO, José Murilo. (2007). Cidadania no Brasil. São Paulo, Civilização Brasileira..

***Vale a pena conferir o programa da TV Brasil que será exibido a partir do dia 04 de abril. O nome: O dia que durou 21 anos, ver mais informações aqui.

A qualidade da educação* explica o desenvolvimento econômico-social dos países?

2011-03-30T17:07:00.010-03:00

Em fevereiro de 2009, eu escrevi um texto com esse mesmo título, para vê-lo, clique aqui. Hoje, depois de 2 anos, volto a escrever um novo artigo, com o mesmo título e debatendo o mesmo assunto. A questão agora é saber se as posições das Universidades brasileiras mudaram, e se os países que figuravam nas primeiras colocações, como detendo os melhores centros de pesquisa, ainda são os mesmos.

Periodicamente são divulgadas as listas das melhores universidades do mundo**. Para escolhê-las são levados em consideração diversos critérios. Citando um dos mais importantes, temos a forma como a Instituição de Ensino gera e comunica à sociedade seu conhecimento científico. O intuito de listas desta natureza é mensurar a atividade e a visibilidade das Instituições, tentando criar um indicador capaz de mostrar o impacto e o prestígio das Universidades.

A lista da “Webometrics Ranking of World Universities” consistiu num estudo de mais de 20.000 Universidades ao redor do mundo. E em seu site estão disponíveis os dados com as 500 melhores. Em sua classificação, o MIT (Massachusetts Institute of Technology – www.mit.edu) que era a número 1 em 2009, continua na mesma posição. No caso brasileiro, tivemos uma boa notícia. Em 2009, tínhamos 9 representantes, em 2011 esse número pulou para 12, onde figuram duas Universidades nordestinas. E, além disso, as colocações das Universidades brasileiras mudaram em relação a 2009. Nos quadros abaixo, se vê as melhores Universidades do mundo em 2011, segundo a pesquisa, e as Universidades brasileiras melhor classificadas em 2011 e 2009.

Da lista do Webometrics Ranking of World Universities, eu ainda destaco quantas Universidades são consideradas as melhores por continente, veja a informação no quadro 3. E, posteriormente, no quadro 4, estão elencados os países ao redor do mundo que detem as melhores Universidades.

Enfim, depois de tantas tabelas, e tantos números, para quê serviu esta postagem? A primeira coisa que pensei após olhar os resultados dessas pesquisas foi indagar sobre a questão das desigualdades existentes entre os países que possuem o melhor nível de educação superior do mundo e os outros, inclusive, o Brasil. Não precisa ser muito esperto para verificar que os dez primeiros países de cada ranking quase sempre são os mais desenvolvidos, tanto economicamente, quanto em qualidade de vida. Apenas ressaltando que mais de 4/5 das melhores Universidades se encontram em apenas 15 países. Ainda interpretando os dados, vejo que as desigualdades não se dão apenas entre países, mas também ocorre no âmbito regional. Basta observar quais são as melhores universidades brasileira, entre elas eu não vi a federal do Acre, por exemplo. Apesar de que este quadro parece mudar com a inclusão da UFBA e a UFPE, porém esta mudança precisa ser impulsionada em direção ao interior do Brasil. Dessa maneira, ainda há uma hegemonia de Instituições do eixo Sul-Sudeste. Neste post, não vou explicitar uma opinião fechada, vou apenas indagar: Será que a qualidade da educação explica o desenvolvimento econômico-social dos países? A resposta parece óbvia, mesmo havendo quem não “queira” ver.

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* O sentido de educação empregado aqui, é de produção de pesquisa, conhecimento e novas tecnologias.

** Mais informações, inclusive sobre a metodologia empregada na pesquisa, basta consultar o hiperlink indicado. Todos os rankings estão disponíveis no site do realizador da pesquisa.

P.S.: Todas as tabelas foram feitas com dados coletados do 'Webometrics Ranking of World Universities'.

Who's Afraid of Virginia Woolf? (1966)

2011-03-25T10:45:00.003-03:00

Foto 1 - Richard Burton e Elizabeth Taylor em 'Quem Tem Medo de Virginia Woolf?’

‘Quem Tem Medo de Virginia Woolf?’ é sarcasmo puro, do começo ao fim. Muito bem afinados e afiados, o casal Elizabeth Taylor e Richard Burton transforma o longa em uma experiência avassaladora. Provavelmente, o casal fez das suas brigas privadas/intimas um ótimo laboratório para poderem interpretar seus personagens. É difícil dizer em poucas palavras qual o fio condutor da trama, o roteiro é bastante complexo. Às vezes, pensamos que conseguimos captar a ideia principal, mas no momento seguinte, somos levados a questionar nossas convicções anteriores, e eis que o roteiro torna-se um enigma novamente.

O fato é que os inesquecíveis, George (Burton) e Martha (Taylor), são dois sádicos, que em jogos particulares acabam envolvendo terceiros, de forma a atingirem ou compartilhar seus problemas e desilusões pessoais. Em uma noite regada a bastante álcool e insultos, o casal começa a exteriorizar todas suas ilusões sem nenhum tipo de pudor. Dessa forma, somos totalmente levados a perceber o quanto de sujeira se esconde debaixo do tapete de casamentos por conveniência. Anos de hipocrisia vão aparecendo, até que a mais grave das ilusões é desvendada. Por outro lado, o casal convidado é uma replicação jovem do que já fora George e Martha um dia, e é claro que eles não vão deixar isso passar em branco. Afinal, a frase de ordem da noite é: Abaixo ao cinismo e meias-verdades!

A película já me ganha nos minutos iniciais quando os dois protagonistas discutem sobre uma fala: What a dump! Fala que é proferida por Bette Davis, no filme Beyond the Forest (1949). Além disso, há cenas espetaculares, como a que George ‘atira’ em Martha, ou as falas, ou melhor, as sacadas e a rapidez com que as falas são ditas no primeiro contato que temos entre o casal e os convidados. Por que não se fazem mais filmes fortemente baseados no roteiro e nas interpretações? Eu até tenho alguns palpites, talvez o James Cameron pudesse responder melhor a isso, ops... Esse longa é obrigatório em qualquer coleção, de qualquer cinéfilo, e falo isso sem titubear. Definitivamente, Elizabeth Taylor provou não ser apenas um rostinho e corpinho bonito na tela. No papel de Martha, ela aparece mais envelhecida e com muitos quilos a mais do que o público estava acostumado a ver. E o que ela faz? Dá um show, uma aula de como ser agressiva, megera, carente, frágil, fútil, estúpida e bêbada.

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Who's Afraid of Virginia Woolf? (Quem Tem Medo de Virginia Woolf?), Estados Unidos - 1966. Dirigido por Mike Nichols. Com: Elizabeth Taylor, Richard Burton, Sandy Dennis, George Segal. 131 minutos. Gênero: Drama.

Nota: 9.5

Suddenly, Last Summer (1959)

2011-03-24T16:52:00.004-03:00

Foto 1 - Katharine Hepburn, Montgomery Clift e Elizabeth Taylor em cena

Ver as atuações de Katharine Hepburn, Elizabeth Taylor e Montgomery Clift em uma mesma cena é ter a sensação de presenciar a ‘santíssima trindade’ tomando formas humanas perante seus olhos. Falar das qualidades artísticas da Hepburn é ser redundante, em 1959 já era reconhecidamente um dos maiores nomes do Cinema mundial. Sempre precisa e forte, momento algum hesitante ou superficial. E a Taylor? Jovem, sensual e dramática ao ponto de deixarmos de lado até os exageros do roteiro.

Na verdade toda a película anda sobre uma ‘corda bamba’. Diversos temas são tratados no longa, porém, o mais ‘controverso’ é o da homossexualidade. Desde o ano de 1934, o cinema norte-americano era observado de perto por entidades que julgavam serem as guardiãs da moralidade. De acordo com o documentário, ‘O outro lado de Hollywood’, o filme recebeu a seguinte crítica do The New York Time: "Filme de degenerados, trabalho de degenerados." Sobre a película, ainda saiu um comentário de Bosley Crowther, um respeitado crítico da época, “Se gostar do incesto, da violação, da sodomia, do canibalismo, da degeneração, isto é um filme para você, este filme é repugnante.”

Dessa forma, o que o diretor Joseph L. Mankiewicz conseguiu fazer com o roteiro – já que não era possível falar explicitamente de tudo – foi criar um ambiente em que o espectador é levado a imaginar, a criar algumas realidades. É óbvio que mesmo antes da cena final, nós já conseguimos ter ideia da natureza do Sebastian e do seu relacionamento com sua mãe e prima. O elemento que fará toda a história vir à tona é o médico interpretado pelo Clift. Não é possível dizer que este é o seu melhor trabalho, mas sua performance equilibrada e concisa, se não o torna inesquecível nesse papel, também não atrapalha em nada a continuidade do filme.

‘De repente, no último verão’ é isso, uma conjunção de grandes estrelas e excelentes diálogos à moda de Mankiewicz. Tema visto como doentio na época daí muitas metáforas e mensagens nas entrelinhas, tudo bem, às vezes o roteiro beira o dramalhão, mas nada que apague a qualidade da marca do Tennessee Williams na trama. Enfim, é irregular, mas nunca monótono, e se no final nada te agradar, você não pode negar a perfeição dos atores, afinal de contas, estou falando da ‘santíssima trindade’.
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Suddenly, Last Summer (De Repente, No Último Verão), Estados Unidos - 1959. Dirigido por Joseph L. Mankiewicz. Com: Katharine Hepburn, Elizabeth Taylor, Montgomery Clift, Mercedes McCambridge. 114 minutos. Gênero: Drama.

Nota: 7.5

Morre Elizabeth Taylor

2011-03-23T12:39:00.000-03:00

Funny Girl (1968)

2011-03-22T19:27:00.003-03:00

Foto 1 - Barbra Streisand em 'Funny Girl'

Musicais, realmente, não me atraem. Sempre fico irritado pelo fato das pessoas começarem a cantar do nada. Sem motivo aparente, elas são tomadas por algum tipo de ‘entidade cantora’, e saem desembestadas saltitando e entoando canções – muitas vezes chatas, vale enfatizar. E sem fugir a regra, Funny Girl é mais um deles. O filme é bastante irregular, há uma mescla do melhor do William Wyler com o pior do gênero. Em minha opinião, os melhores momentos da Barbra Streisand são quando ela não está cantando. Ou seja, quando ela está ou encenando comicamente – ela consegue realmente extrair algumas gargalhadas do expectador – ou quando está atuando dramaticamente. Além disso, o carisma da Streisand é inegável e, por isso, ela consegue encantar qualquer um. Novo talento – era o que a atriz era naquele momento -, boa atuação unido a carisma, com a marca da direção do Wyler fazem o filme não cambalear para o piegas. É interessante a tomada do Wyler na cena em que se faz uma paródia do ‘O Lago dos Cisnes’. Esse mesmo estilo pode ser visto em Jezebel quando Bette Davis e Henry Fonda estão no baile dançando a valsa, é simplesmente sensacional! Para finalizar o comentário sobre a película, eu digo que não é um filme memorável, no entanto, questões conjunturais o fazem ser lembrado. Uma dessas coisas é o Oscar da Streisand que foi dividido com a grande estrela Katharine Hepburn, sendo as duas as vencedoras do ano.

Irei tomar liberdade, e escrever sobre o ‘comandante’ Wyler. Ele possui doze indicações ao Oscar, na categoria direção, tendo vencido em três oportunidades. Além de ter recebido o Irving G. Thalberg Memorial Award – prêmio concedido a produtores de cinema cujo trabalho reflete constantemente uma produção de filmes de qualidade. Uma característica marcante nesse diretor, eu acredito que seja a valorização dos seus atores nas suas películas. Sem dúvida alguma, ele prezava pelas atuações de qualidade, onde a Barbra Streisand se inclui com sua ‘Funny Girl’. De um rápido levantamento feito por mim – ou seja, a informação pode estar incompleta, outros atores podem fazer parte dessa lista – em nove filmes dirigidos pelo Wyler, treze atores receberam um Oscar por suas atuações, sendo que sete na categoria principal de melhor ator/atriz. Ver tabela abaixo.

Tabela 1 - Na tabela figuram vários nomes de peso da sétima arte, todos eles foram dirigidos pelo William Wyler.

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Funny Girl (Funny Girl - A Garota Genial), Estados Unidos - 1968. Dirigido por William Wyler. Com: Barbra Streisand, Omar Sharif, Frank Faylen. 151 minutos. Gênero: Drama, Musical.

Nota: 7.0

Hævnen / In a Better World (2010)

2011-03-21T14:37:00.005-03:00

Foto 1 - Os protagonistas do filme

Imaginem um mundo regido pela Lei de Talião: olho por olho e dente por dente. Imaginem um lugar onde os indivíduos pudessem fazer justiça com as próprias mãos. Imaginem a lógica hobbesiana do ‘homem é lobo do próprio homem’ sendo aplicada a você ou aos seus familiares. Mesmo que em muitas circunstâncias essas noções pareçam justas, será que são tão neutras e será que não trazem consequências nocivas para o convívio em sociedade?

‘Em um mundo melhor’ temos duas realidades. Um médico, provavelmente, participante de algum programa de ajuda humanitário na África procura, não só ensinar ao filho que agressão não se responde com agressão, como no exercício da sua função, ser ético, mesmo quando isso é difícil. Por outro lado, temos duas crianças com seus 10/11 anos que acreditam que valentões não podem sair ilesos, daí passam a tratar o mal com um mal ainda maior, no intuito de não serem confundidos com covardes.

Temos um ótimo filme com esses temas aparentemente ordinários. No entanto, a combinação de uma direção segura da Susanne Bier, com um excelente elenco nos proporciona momentos de tensão, drama e reflexão. A cada momento, diretora e atores vão ultrapassando os limites da violência numa escala, onde mesmo que indiretamente, outras vidas/pessoas são incluídas. Claro que não são dadas respostas para todas as questões levantadas, mas Bier consegue puxar literalmente o espectador para dentro da trama. Não sei se estou ficando bobo, mas me deixei levar pelo roteiro. Em certas cenas, sabemos o que vai acontecer, no entanto, não ficamos menos surpresos quando os fatos ocorrem.

Um pouco fora do filme, mais um desabafo. No longa, vivenciamos uma relação de amor e ódio. Há uma criança bem mimada, cujo pai não toma nenhuma atitude. São esses lugares ‘politicamente corretos’, não há castigos, o menino sai a hora que quer de casa, brinca com o que quer. Se há algum jurista lendo esse texto, os pais não podem ser responsabilizados pelas atitudes dos filhos? Ainda mais quando de grandes proporções como a que vemos na película? No mesmo sentido, na mesma onda de atitudes corretas, enquanto existe um impasse na direção da escola em resolver os problemas de bullying, as crianças tomam suas próprias providências, e posteriormente a coordenação não sofre nenhum tipo de punição. Enfim, são apenas algumas coisas que revoltam, e que poderiam acontecer com qualquer um na vida real. Por tocar em questões bem relevantes e todo o resto discutido, é um filme que vale muito a pena ver! Só um comentário extra, é patético o Brasil querer competir com um filme dessa magnitude, mandando para a competição seu candidato: ‘Lula, o filho do Brasil’. É de fazer rir!

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Hævnen (Em um mundo melhor), Dinamarca/Suécia - 2010. Dirigido por Susanne Bier. Com: Mikael Persbrandt, William Jøhnk Nielsen, Markus Rygaard, Ulrich Thomsen, Trine Dyrholm. 119 minutos. Gênero: Drama.

Nota: 9.5

The Pervert's Guide to Cinema (2006)

2011-03-20T12:06:00.008-03:00

Foto 1 - Cena do documentário que remete ao clássico 'Os Pássaros - 1963'

Essa versão é uma atualização de um texto que já escrevi com o título - Oscilando entre a "ficção" e a realidade – em um outro blog há quase três anos.

O seguinte texto versa sobre o filme, The Pervert's Guide to Cinema (2006), e tenta sistematizar os principais nexos lógicos que norteiam a trama. O autor promove uma discussão sobre grandes obras do cinema mundial, contrapondo-as as teorias da psicanálise. Realiza um debate de um lado enfatizando o que determinados filmes dizem sobre a construção das fantasias (ficção/realidade) humanas e por outro lado, como a psicanálise interpreta tais fenômenos. O meu intuito foi delinear os principais pontos de argumentação e tentar, na medida do possível, incrementar o debate com alguns conceitos sociológicos mesmo que de maneira rudimentar. Enfim, abaixo você encontrará algumas divagações próprias do Zizek e algumas oscilações da realidade minhas.

Slavoj Zizek é um filósofo lacaniano-marxista de Ljubliana, capital da Eslovênia. Tem escrito livros com temáticas com o cinema de Hitchcock, Lênin, a ópera, e os ataques terroristas de 11 de setembro. A meta da obra de Zizek é combinar a crítica marxista do capitalismo com informes psicanalíticos para desmascarar a forma como opera o capitalismo sobre a imaginação pública. Em 1990, Slavoj Zizek foi candidato a presidência da República da Eslovênia nas primeiras eleições democráticas do país.
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O problema a ser considerado aqui, não é responder se nossos desejos são saciados ou não! No entanto, é saber o que desejamos. Não há nada de espontâneo no desejo humano. Os desejos são artificiais (construto social), e devemos, portanto, aprender a desejar. O cinema é assim a arte pervertida por excelência. Ele não te dá aquilo que deseja, mas sim te diz como desejar.

Imagine uma cena onde diante dos seus olhos, uma atriz qualquer, vê vislumbrada os bastidores do que ocorre nos vagões de um trem. Observação, o trem continua em seu percurso, e é como se numa brecha do espaço-tempo, ela (atriz) permanecesse inerte e atenta a todos os movimentos dos vagões. Porém, mesmo diante de seus olhos, ela não pode interferir, pois é apenas um indivíduo passivo no processo construtivo da relação. Fazendo assim uma analogia ao que ocorre na relação direta entre espectador e a arte cinematográfica. Por fim, quando um rapaz que está em um dos vagões, oferece-lhe uma taça de bebida, é como se o filme - o macro - oferecesse a ela algo possível e acessível ao desejo.

Uma visão crítica lembra-nos que a realidade não se restringe aos momentos vividos. A realidade social é bem mais complexa do que nossos momentos particulares. Várias ações pretendidas ou não-pretendidas se reúnem num processo de síntese para a realidade tornar-se completa. A realidade é mostrada frente a frente à ficção. O autor defende que dentro da própria realidade há um quê de ficção. E o essencial está não em descartar a ficção, mas perceber a realidade que há dentro da ficção.
Numa análise psicológica, ele defende que procedimentos traumáticos, violentos ou que possuam gozo em demasia, produzem resultados internos que rompem com as "coordenadas da realidade". E que posteriormente são transformadas em processos intrinsecamente repletos de elementos da ficção.

No filme Os Pássaros (1963), a ação e o ataque dos pássaros nada mais é do que a interferência da estrutura social no âmbito particular. O filme retrata uma relação típica do complexo de Édipo mal resolvido. Tal realidade é interrompida pela chegada de um outrem que rompe com os valores compartilhados anteriormente. Ele analisa o fenômeno como sendo "a explosão do superego materno". Isso seria numa ótica da psicologia. Numa perspectiva sociológica, o fenômeno poderia ser interpretado como um processo de não-internalização das regras sociais ao longo do processo de socialização primária. O que culminaria em termos durkheimianos-parsonianos numa "anomia social". Tendo como conseqüências, os sentimentos de culpa ou como se a sociedade estivesse "esmagando" sua cabeça.

Ao analisar o filme Psicose (1960), Zizek problematiza a distribuição espacial onde se desenrola a trama e discute a caracterização dos sistemas de personalidade. Os níveis da psiquê estariam localizados da seguinte maneira: 1) o térreo seria o ego - o ambiente da normalidade, onde se respeita os padrões de comportamento social; 2) no primeiro andar encontra-se o superego maternal; e 3) no sótão temos o id. A relação entre o superego e o id é direta. O superego é uma entidade "obscena" que nos influencia com ordens impossíveis. Características fundamentais: 1) o superego é hiperativo; 2) o ego é racional, egoísta e calcula suas ações todo o tempo; e 3) o id é misterioso, porém, ao mesmo tempo em que é infantil e inocente, possui também um mal intrínseco.

A voz representaria a dimensão da possibilidade de controle das reações dos outros indivíduos. (Se possível, ler algo sobre o sociólogo canadense, Erving Goffman). Aqui, ele trata dos "objetos parciais" e autônomos. Explica que tais atitudes, em relação aos “objetos parciais” não são exteriores à sua "natureza". Elas, na verdade, fazem parte da sua personalidade. Esqueça o fato de que ao mesmo tempo em que se ouve pode-se ver a cena de um filme. Imagine, então, uma situação onde apenas o sentido da audição é possível, a imaginação decorre daquilo que você mesmo imagina que faria e não o que realmente acontece. Pois o que se passa não é necessariamente aquilo que você imagina, mas você imagina porque gostaria que passasse como você quer.

Por que precisamos do suplemento virtual da fantasia? O inconsciente - os desejos gerados no inconsciente geram culpa. A fantasia é produto do inconsciente, e como tal é um sonho. Quando a fantasia é realizada o que vem em mente é um sentimento de pesadelo. Em relacionamentos desta magnitude, o que vale e o que está em jogo são as circunstancias e o meio físico, não a outra pessoa em si.

Não existem emoções pré-determinadas. Todas elas, com exceção da ansiedade, como dita Freud, são construídas. Poderia então o cinema proporcionar a emoção da ansiedade? Para Zizek, o cinema é a arte das aparências. Ele nos diz algo sobre a realidade. Nos fala como se constitui a realidade. A realidade é constituída de maneira fetichista. Ou seja, determinados objetos encarnam significados que não necessariamente pertencem a eles. Em certas cenas, sabemos o que vai acontecer, no entanto, não ficamos menos surpresos quando os fatos ocorrem. Mesmo assim, o problema não se encontra no fato de não levarmos a sério aquilo que é apenas uma ficção. Mas é o contrário, o engano está em não levar a ficção em consideração. Ele cita o exemplo de indivíduos que escolhem em um jogo personagens para atuar. Dentre varias opções, o ator seleciona aqueles com características sádicas, ou estupradores, ou qualquer outra coisa. Na verdade, esse sujeito supre suas necessidades internas de maneira a minimizar suas carências reais, adotando características no jogo de uma pessoa forte e promiscua que representa uma auto-imagem falsa sua. Esta é a leitura ingênua. A interpretação mais rebuscada mostra que essa imagem falsa adotada representa o próprio "eu" do indivíduo. E que na vida real devido as sanções e normatizações sociais, não se pode deliberadamente liberá-las. Assim, precisamos de uma ficção para mostrar aquilo que realmente somos.

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The Pervert's Guide to Cinema (O Guia Pervertido do Cinema), Reino Unido, Austria, Holanda - 2006. Dirigido por Sophie Fiennes. Com: Slavoj Zizek. 150 minutos. Gênero: Documentário.

Nota: 9.0

Lixo Extraordinário (2010)

2011-03-15T08:15:00.005-03:00

Foto 1 - Um dos sensacionais quadros do documentário

Duas coisas chamam atenção em ‘Lixo Extraordinário’, a primeira é o estranhamento inicial do Vik Muniz e dos que lhe rodeia ao saber do seu novo projeto, e a segunda, é a revelação de uma realidade que parece tão distante para nós. Sem dúvida alguma, o artista plástico conseguiu se reinventar e produzir um trabalho tão original quanto suas outras criações. Quem imaginaria que do lixo poderia surgir quadros tão singelos, leves e belos? Mais que fazer sua arte, Muniz mostrou o capital humano, nos presenteou com histórias de vida de pessoas sofridas, humildes e batalhadoras. E ao mesmo tempo, ficou preso a um dilema: O que fazer, ou o que será dessas pessoas após o trabalho que desenvolveram? Mesmo que todos se orgulhem da sua profissão de catador de material reciclável, alguns deles enfatizavam que aquilo não é vida para ninguém. Essas questões são juntamente mostradas ao processo criativo dos futuros quadros.

O ‘incrível’ é como os catadores trabalham a total revelia do poder público. Aparentemente, o problema não é trabalhar com lixo, no entanto, são as condições materiais e a degradação física que essas pessoas estão submetidas. Ninguém tem dúvida do n número de doenças a que elas estão expostas. Não há roupas apropriadas para o manejo do material, não há um serviço médico, nem mesmo básico. Por exemplo, há uma série de vacinas que eles deveriam tomar, e que provavelmente não foram tomadas, às vezes, até mesmo por desinformação. Imaginem o índice de mortalidade que não deve haver entre esse grupo! Um deles mesmo morreu, não sei se por conta do seu trabalho – a causa final foi câncer de pulmão – mas sabe-se lá. Não há um projeto educacional, e como se sabe, há uma reprodução das condições de vida, ou seja, a herança familiar interfere diretamente no nível de cultura que as novas gerações receberão. Não há nenhuma assistência familiar, a jovem retratada, com dezenove anos, já era mãe de duas crianças e ao final, estava esperando um terceiro.

O documentário tem o mérito de chamar atenção para várias facetas do mundo. Várias problemáticas são consideradas: a questão da produção absurda de lixo e da reciclagem, as condições desumanas de vida das pessoas, o descaso do poder público, a reivindicação de direitos através de um movimento oriundo dos catadores, o encontro com o outro (no sentido antropológico), a fama, e tantos outros aspectos. O documentário consegue captar e transmitir sentimentos, sem ser sentimentalóide. Vemos que todos ali estão aptos a acertar, errar, se arrepender e se recuperar, ou cair no mesmo ou em um novo erro. Mas pelo menos, todos os participantes das filmagens, ao menos, buscam uma única coisa: uma vida melhor. Muniz com esse projeto demonstra não apenas ter ajudado aos personagens da história, como também, ter sido completamente transformado por eles. ‘Lixo Extraordinário’, em suma, é tão bom quanto o próprio trabalho artístico do Vik Muniz!

Para acessar o site do documentário, clique aqui.

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Lixo Extraordinário, Brasil/Reino Unido - 2010. Dirigido por Lucy Walker. Com: Vik Muniz. 99 minutos. Gênero: Documentário.

Nota: 9.0

Salò o le 120 giornate di Sodoma (1976)

2011-03-14T05:04:00.009-03:00

Foto 1 - Cena do filme Salò o le 120 giornate di Sodoma

Numa Itália em pleno regime totalitário, Pasolini disserta sobre o descontrole do poder em um verdadeiro ‘teatro dos horrores’. Um grupo de importantes personalidades da sociedade italiana ligadas à Igreja e ao Estado se une para realizar os seus desejos mais íntimos e indizíveis. Esse é um filme que desperta no espectador sensações – as mais diversas e imagináveis - associado ao fato que Pasolini filma tudo com realismo extremo. É verdade, qualquer um poderia classificar o filme como nojento, sádico, repugnante ou adjetivos que os valham. E certamente, você não estaria errado/a. A verdade é que o diretor - sempre crítico nas suas produções - tem uma mensagem por trás de toda essa encenação. Não à toa, a película se passa em pleno regime de Mussolini, e os protagonistas são figuras ligadas a altos escalões do governo e à Igreja Católica Romana.

Após ver o filme, surgem questões: Existem instintos? O que é o poder absoluto de uns sobre outros? O que pode causar o poder quando não controlado? Fantoches é isso que se torna uma pessoa em uma situação caótica, como a mostrada em '120 dias de Sodoma'. Ressalva é necessária porque há alguns ‘fantoches’ que dependendo do cenário proposto pelo executor, também sente prazer. Há algumas cenas que evidenciam essa realidade. Contudo, em algumas das discussões fala-se que o prazer não está na morte dos indivíduos, mas na possibilidade de repetir determinada ação infinitas vezes. Ou seja, o sofrimento do outro é um elemento fundamental para a realização dos desejos dos executores.

Além disso, e o mais importante, ela é uma película que nunca ficará datada. Afinal de contas, ela trata da hipocrisia tão bem disfarçada naquela sociedade, sociedade que tem como alicerces a moral, a religião e os bons costumes. Não é um filme para todos os estômagos, quem quer vê-lo por pensar na excitação que as cenas de nudez podem proporcionar irá se decepcionar, principalmente, à medida que o longa se desenvolve e juntamente as perversões. O que é preciso enfatizar é que o diretor desenvolve uma alegoria do momento político que a Itália, em particular, e o mundo, em geral, viviam. O filme é um espetáculo de torturas, humilhações e morte que se confunde perfeitamente com a barbárie para além dos muros do Cinema – cujo espectador vivia. Não é sem propósito que dentro da casa apenas o sexo forçado é aceito. Assim, o sadomasoquismo é a expressão máxima da opressão/imposição e, portanto, qualquer relação que fuja a esse princípio torna-se discriminável e passível à morte. Ao ver ‘120 dias de Sodoma’, tentem esquecer o escatológico, e reflitam sobre o mundo nos idos dos anos de 1940, você verá que a película fará bem mais sentido.
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Salò o le 120 giornate di Sodoma (Saló ou os 120 Dias de Sodoma), França/Itália - 1976. Dirigido por Pier Paolo Pasolini. Com: Paolo Bonacelli, Giorgio Cataldi, Umberto Paolo Quintavalle, Aldo Valletti. 117 minutos. Gênero: Drama.

Nota: 9.0

Aos 474 anos do Recife

2011-03-12T16:24:00.005-03:00

Frevo n. 1 do Recife:

Frevo n. 3 do Recife:

Recife, cidade lendária:

Le Petit Nicolas (2009)

2011-03-11T02:28:00.004-03:00

Foto 1 - Nicolas com seu pai e sua mãe

‘Le Petit Nicolas’ é um filme leve, envolvente e divertido. Nos 90 minutos de película, o pequeno Nicolas, junto com seus amigos da escola tentam criar uma estratégia para dar fim ao terror que atormenta o garoto (não irei mencionar qual é este dilema, mesmo que o diretor não faça questão de escondê-lo por muito tempo). Nicolas acredita que terá o mesmo destino ‘misterioso’ do seu amigo, daí então conhecemos o seu dia-a-dia no colégio e em casa com os seus pais. Formado basicamente por atores mirins, eles não deixam nada a desejar. Da mesma forma, os demais atores que compõe o elenco também são ótimos. Às vezes, a forma como a história é contada me parece com a de ‘O Fabuloso Destino de Amélie Poulain’ – e isso não é nenhuma crítica, apenas uma observação. Na verdade, também gosto do filme anteriormente citado. Por fim, ‘Le Petit Nicolas’ é um filme sem ressalvas, ou seja, cumpre o que promete, nós não criamos expectativas megalomaníacas e nem somos levados a tê-las, é uma película extremamente recomendável!
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Le Petit Nicolas (O Pequeno Nicolas), França - 2009. Dirigido por Laurent Tirard. Com: Maxime Godart, Valérie Lemercier, Kad Merad, Sandrine Kiberlain. 91 minutos. Gênero: Comédia.

Nota: 8.5

Milk (2008)

2011-03-03T18:59:00.004-03:00

Foto 1 - Sean Penn como Milk

Milk mais do que um filme biográfico é um exemplo do fazer política e reivindicar direitos. A provável intenção do Gus Van Sant não era polemizar sobre a vida pessoal do protagonista, mas sim, discutir o papel de líder e as repercussões de seu ativismo para o meio gay norte-americano. Entretanto, é óbvio que figuras do seu meio íntimo sejam retratas, e que algumas passagens do seu cotidiano, não como político, faça-se presente no longa. Ora, ele construiu seu nome com o apoio de colegas, logo, essas pessoas são essenciais na trama.

O diretor não usa uma linguagem alternativa e experimental, mas tampouco segue a linha convencional. Ele na verdade mescla essas duas estéticas, e o resultado é um filme de linguagem tradicional com elementos experimentais e arrojados. Além disso, ele inclui noções da linguagem documental. Essa estética híbrida possibilita uma versatilidade e um dinamismo na condução da história. A proposta de Van Sant funciona perfeitamente, o que vemos é a importância da militância gay e a vida política do protagonista. É claro que Sean Penn é um dos fatores que fazem de Milk um grande trabalho. Penn não é uma reprodução de Harvey Milk, o ator consegue mergulhar no personagem, compreendendo suas atitudes, sentimentos, gestos, para ai poder reinventá-lo. Não tem como não prestar atenção no Milk de Penn quando ele diz: “My name is Harvey Milk and I want to recruit you.”

Li algumas críticas que falavam que o filme não consegue ser arrebatador. Bom, se as pessoas não conseguem ver na organização política nenhuma forma de explosão de emoções, se ninguém enxerga no desejo de mudança, no anseio por direitos, alguma forma de expressão genuína e avassaladora, eu realmente acredito que elas esperavam por uma película que contasse as experiências sexuais do protagonista.

O filme tenta mostrar aquilo que a grande maioria das pessoas ignorantes não consegue ver: os homossexuais são iguais a todos, tem os mesmos direitos e não devem ser tratados de forma distinta. A sexualidade de uma pessoa, assim como sua cor de pele, seu credo, sua condição social, sua região, seu sexo, não faz dela melhor ou pior. Mostrar isso é a função do filme em que se insere Milk, e isto é que faz da película e do personagem grande. Ao fim e ao cabo, este é um filme com uma temática específica - movimento gay, mas que fala a qualquer minoria, ele tem uma função mais geral. Afinal de contas, estamos falando de direitos inalienáveis e igualdade.
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Milk (Milk - A Voz da Igualdade), Estados Unidos - 2008. Dirigido por Gus Van Sant. Com: Sean Penn, James Franco. 128 minutos. Gênero: Biografia, Drama.

Nota: 9.5

Panorama pré-Oscar 2011

2011-02-25T23:35:00.003-03:00

A temporada de premiações de 2011 está para se encerrar com a entrega da tão almejada estatueta do Oscar no próximo dia 27 de fevereiro. E como todo prêmio que se preze, expectativas e nomes de possíveis vencedores são especulados e comentados nos círculos de amizade e convívio. Para além da torcida, uma forma inteligente de indicar possíveis vencedores é através da análise da trajetória dos filmes em premiações que precedem o Academy Awards. Como todos devem estar cansados de saber, os prêmios entregues na pré-temporada do Oscar, servem de baliza para se prever aquilo que ocorrerá na entrega da estatueta mais cobiçada da sétima arte. Importantes prêmios são dados no pré-Oscar, alguns com maior relevância, outros com menos. Os longas, diretores e atores vencedores dos seus respectivos sindicatos aumentam a sua chance de sair com o prêmio da AMPAS. Isso porque a maioria dos votantes dos sindicatos votam no Academy Awards, e por isso, há um alto índice de semelhança dos resultados de ambas as premiações.

Na tabela abaixo, foram elencados os vencedores dos prêmios das seguintes entidades: 1) SAG - Screen Actors Guild; 2) DGA - Directors Guild of America; 3) PGA - Producers Guild of America; 4) WGA - Writers Guild of America; 5) Golden Globe; 6) BAFTA - The British Academy of Film and Television Arts; e 7) Critics' Choice Movie. A tabulação dos dados pode ser vista a seguir:

Clique na imagem para vê-la em tamanho maior

Então, se realmente há uma equivalência desses resultados com o que vai acontecer no dia 27 de fevereiro no Teatro Kodak, pode-se dizer que:

1. Na categoria de Melhor Filme há uma disputa entre A Rede Social e O Discurso do Rei, onde o último leva uma grande vantagem por ter vencido o PGA;
2. Na categoria de Melhor Ator, Colin Firth vem levando todos os prêmios na categoria em que compete. Alguém ainda tem dúvida que o Oscar será dele?
3. Na categoria de Melhor Ator Coadjuvante não há mistérios, o nome do ano é Christian Bale que tem recebido todos os prêmios em solo americano.
4. Na categoria de Melhor Atriz sem hesitar vai dar Natalie Portman.
5. Na categoria de Melhor Atriz Coadjuvante, muito provavelmente, a Melissa Leo levará.
6. Na categoria de Melhor Direção há uma briga entre o Tom Hooper e o David Fincher. Mesmo o último tendo levado três dos quatro prêmios mencionados, o primeiro ganhou o mais importante deles, o DGA. Por isso, eu aposto no Hooper.
7. Na categoria de Melhor Roteiro Original, parece haver uma disputa entre A Origem e O Discurso do Rei. Mas como A Origem levou o WGA, acredito que vença o Oscar.
8. Na categoria de Melhor Roteiro Adaptado, o vencedor deve ser mesmo A Rede Social.

Black Swan (2010)

2011-02-15T21:34:00.004-03:00

Foto 1 - Natalie Portman como Nina em 'Cisne Negro'

Quais são as implicações do stress e da cobrança do dia-a-dia? Qual o resultado da busca pela perfeição? Até onde interpretar um papel pode trazer consequências para um artista? Moldar-se ou se transformar naquilo que se espera de você é positivo? Algumas respostas para essas questões podem ser encontradas em ‘Cisne Negro’. Uma jovem bailarina busca o papel mais almejado no mundo do ballet – o de rainha dos cisnes. No entanto, apenas perfeição e técnica não são suficientes, é preciso entrega, sedução, ousadia. Natalie Portman interpreta Nina, uma jovem meiga, frágil, brilhante e com talento, mas ao mesmo tempo insegura. E é justamente essa sua última característica que dificulta o seu êxito completo na sua iniciante carreira. Ao lado de uma mãe sufocante – temente que a filha tenha o seu mesmo destino – e, de visões variadas a jovem Nina consegue o papel tão sonhado.

Dirigido por Darren Aronofsky - o mesmo de Pi (1998) e Réquiem para um sonho (2000) – ‘Cisne Negro’ consegue surpreender, assustar e atordoar o espectador com muita arte e sedução. Tratar da complexa mente humana em todas as nuances - da ambição que se transforma em loucura – parece ser uma obsessão do diretor. É claro, há a antiga escala separada pelo mal e pelo bem, no entanto, a transição destas fases não é dada em etapas estanques, mas em ondas que afogam a atriz cada vez mais em um ‘sonho real’. Nina tem um desafio: mostrar que está acima de uma suposta fragilidade que a impediria de interpretar simultaneamente o cisne branco (alegoria da inocência e singeleza) e o cisne negro (símbolo da astúcia, lascívia e malícia).

E é nesse momento que preciso falar da Natalie Portman. Que interpretação intensa! Ela transmite tão bem o seu pesadelo, que em determinados momentos ele também parece ser nosso. A obsessão de Nina é construída em cima de duas colegas de profissão. A saber, a veterana Beth (Winona Ryder), estrela forçada a abandonar a equipe por conta da idade, e a novata Lily (Mila Kunis). Enquanto a primeira ilustra uma referência do passado e do futuro decadente, a segunda personifica o concorrente interno de Nina no atual momento. “Cisne Negro” tem suas bases fincadas sob a ambiguidade e daí vem o seu maior atrativo. E diga-se, muito bem executado pela atriz principal e pelo estilo visual do longa. E nesse caso, merece menção todos os responsáveis pela produção – incluindo o elenco, o Aronofsky, o Libatique e o Mansell. A sinestesia é possível graças a opção pelos cortes ligeiros, movimentos vertiginosos de câmera e close-ups que promovem uma harmonia entre o que se vê, o que se ouve e o que se sente na tela. Por tudo isso, vale a pena conferir ‘Cisne Negro’.

Para acessar o site oficial do filme, clique aqui.

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Black Swan (Cisne Negro), Estados Unidos - 2010. Dirigido por Darren Aronofsky. Com: Natalie Portman, Vincent Cassel, Mila Kunis, Winona Ryder, Barbara Hershey. 108 minutos. Gênero: Drama, Suspense.

Nota: 9,5

Rápidas impressões sobre o SAG Awards

2011-01-31T17:47:00.006-03:00

E ontem foi dia do Screen Actors Guild Awards, e eu só tenho duas coisas a dizer sobre a noite. A primeira é que gostei bastante dos vencedores nas categorias principais, e a segunda, é que agora A Rede Social terá um concorrente de peso no Oscar - a saber - The King's Speech, e isso é bom!

The King's Speech - Melhor Elenco

Colin Firth - Melhor Ator

Natalie Portman - Melhor Atriz

Christian Bale - Melhor Ator Coadjuvante

Melissa Leo - Melhor Atriz Coadjuvante

Para ver a lista completa dos indicados e dos vencedores em todas as categorias, clique aqui.

E o Blog de Ouro 'goes to'...

2011-01-31T17:22:00.006-03:00

Quem entrar no site da SBBC (Sociedade Brasileira de Blogueiros Cinéfilos) irá encontrar uma nova imagem no cabeçalho do blog. Neste último domingo foram anunciados os vencedores do ‘Blog de Ouro’, prêmio que movimenta todos os membros da SBBC, e que se encontra na sua 4ª edição. O objetivo da premiação é elencar os filmes, os atores, em suma, o melhor do cinema nacional e internacional que tenha estreado no Brasil no ano anterior ao prêmio, nesse caso, 2010. Como membro da Sociedade, votei nas duas fases. A primeira fase consiste na indicação de 5 candidatos ao prêmio. Posteriormente, após verificar os votos de todos os membros, é formada uma lista com 5 nomes de onde sairá o vencedor do ‘Blog de Ouro’ em 20 categorias. Abaixo é possível ver um quadro com as categorias, os meus votos e o vencedor por categoria do prêmio.

Para ver a imagem maior, basta clicar em cima dela.

Rápidos comentários sobre o Globo de Ouro 2011

2011-01-17T02:17:00.004-03:00

Uma das coisas que mais gosto em entregas de prêmios é ver a história do Cinema falando conosco. Na noite deste domingo, tive a oportunidade de ver artistas como Al Pacino, Michael Douglas, Jane Fonda, e nomes sendo lembrados, como o da Bette Davis pelo Joseph Gordon-Levitt. O outro momento importante é a torcida pelos prediletos, nessa noite eram eles: Colin Firth, The Kids Are All Right, Julianne Moore e Toy Story 3.

E mantendo a tradição de homenagear grandes nomes da sétima arte, o Cecil B. DeMille Award é outro momento que sempre prende a minha atenção. Este prêmio é dado a todos aqueles que de alguma forma se notabilizaram no Cinema. Dentre os vencedores, pode-se citar: o próprio Cecil B. DeMille, um dos personagens mais bem sucedidos da indústria cinematográfica, Walt Disney, Darryl F. Zanuck, James Stewart, Joan Crawford, Frank Sinatra, Alfred Hitchcock, Samuel Goldwyn, Bette Davis, Elizabeth Taylor, Audrey Hepburn, Lauren Bacall, dentre outros, sendo o homenageado de 2010, Martin Scorsese, e o mais recente, Robert De Niro.

A verdade é que o Globo de Ouro há muito perdeu sua credibilidade. Qualquer pessoa minimamente informada sobre cinema sabe que eles indicam e premiam aqueles profissionais mais próximos da Associação, ou que lhes oferecem mais benesses (o sentido fica a critério de cada um). Por isso, é engraçado ver o Robert De Niro fazendo chacota do fato de que os jornalistas estrangeiros são mais fãs de cinema do que qualquer outra coisa. Mas de qualquer maneira, dá para se ter uma pequena noção do que veremos no Oscar 2011, no entanto, antes disso, vamos acompanhar o que acontece nas associações de classe, como o Screen Actors Guild e Directors Guild of America. No mais, a lista de ‘mortos, feridos e salvos ilesos’, pode ser acessada clicando aqui. Nela encontra-se não apenas os nomes dos vencedores em cada categoria, mas também o dos indicados.

Amy Winehouse no Recife

2011-01-14T11:32:00.004-03:00

E eis que o investimento arriscado se transformou em um bom show. Apesar de que, quem estava lá era ciente de que tudo podia acontecer na noite, inclusive nada! Eu estou falando do show da inglesa Amy Winehouse no Recife. Não sei se foi apenas uma impressão, mas senti que ela gostou do público, não sei ao certo, mas ela estava com um alto astral, e fez um show com quase 1:20 hs de duração. OK, é bem verdade que havia uma longas paradas entre uma música e outra, que a banda passou quase uns 10 minutos se apresentando, e que de vez em quando ela cantava numa língua indecifrável. Se todas essas arestas fossem aparadas, o show teria sido incrível e perfeito, mas talvez, não teria sido da Amy Winehouse. No set-list não estava uma das que eu queria ouvir – In My Bed – mas tantas outras foram cantadas – Just Friends, Back to Black, Tears Dry on Their Own, Rehab, Me and Mrs. Jones, Wake up alone, You know I'm no Good e Valerie. Em suma, foi um show com momentos de apreensão – tou falando das saídas inesperadas da cantora -, momentos para cantar e dançar e momentos de aplaudir muito. Sempre pode ser melhor, mas valeu a pena!

Para a produção ficam duas dicas:
1) Quem foi o gênio que pensou em colocar apenas dois telões, em um pavilhão com 12.000 pessoas? Quem estava no final não viu nada, apenas ouviu.
2) Que era o cinegrafista que fazia as imagens do show? Nas duas principais músicas da Janelle Monáe – Tightrope e Cold War -, as imagens do palco sumiram, e ficaram passando coisas que não interessavam a ninguém.

Phoenix - One Time Too Many (Acoustic)

2011-01-02T11:44:00.003-03:00

Depois do show que vi do Phoenix em Belo Horizonte em novembro, é que eles não saem mais da minha cabeça mesmo. Apesar da letra triste, segue uma música deles que possui uma bela melodia.

Retrospectiva 2010

2010-12-31T18:20:00.004-03:00

Segue um vídeo feito pelo Vinícius Pereira da SBBC que traz uma retrospectiva dos filmes que estrearam no ano de 2010 no Brasil, e que estarão na disputa pelo Blog de Ouro 2011.

Velvet Goldmine (1998)

2010-12-30T08:15:00.003-03:00

“Estávamos vivendo nossos sonhos”, isso é Velvet Goldmine, uma viagem onírica, um sonho curto, mas arrebatador. Em um filme periodizado na época do Glam Rock, Todd Haynes busca os conflitos dos astros e dos seus fãs. O mote para a história é a morte forjada por um dos ícones do Glam Rock - Brian Slade (interpretado por John Rhys-Meyers). Ao mesmo tempo, nos é apresentado Arthur Stuart (Christian Bale), nos anos 70, um jovem inglês que curtia o cenário musical, anos mais tarde, um jornalista que tenta desvendar o paradeiro de Slade.

Velvet Goldmine pode ser visto por vários ângulos, desde a ambientação do movimento numa Inglaterra ainda bastante puritana, ou através dos vieses da sexualidade, da fama e da busca de identidade. Para isso, Todd Haynes criou um universo decadente, de experimentação sexual, mergulhado em canções contagiantes, muita maquiagem e glitter. O espectador imerso em canções enérgicas e envolventes é apresentado a um trabalho de montagem admirável (James Lyons), assim como a uma bela fotografia (Maryse Alberti) e um guarda-roupa audaz (Sandy Powell). Velvet Goldmine coloca-se como uma obra excêntrica e precisa no que pretende.

Referências musicais como a T. Rex, David Bowie – qualquer semelhança com Ziggy Stardust, não é aleatória - e Iggy Pop não faltam, como também a Orson Welles. A partir daí nos é apresentada uma Londres que fervia nos anos de 1970 com muito glitter, sexo livre e rock’n’roll. Musical por definição, o longa conta com as atuações inspiradas de Ewan McGregor (como Curt Wild), Toni Collette (como Mandy Slade, a esposa de Brian Slade) e Christian Bale. Apesar de Velvet Goldmine não ser uma película que agrade a todos, ou livre de censura – ou seja, que todos possam assistir, é um filme inovador. Há nele uma excelente trilha sonora, ótimas atuações, visual e ambientação minimamente reconstituídos. Para quem curte ou quer conhecer um pouco do Glam Rock é uma boa pedida.

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Velvet Goldmine, Estados Unidos/Reino Unido - 1998. Dirigido por Todd Haynes. Com: Ewan McGregor, Christian Bale, Toni Collette, John Rhys-Meyers. 124 min. Gênero: Drama, Musical.

Nota: 8,0

Novo selo para o blog

2010-10-09T13:07:00.003-03:00

Um amigo blogueiro me presenteou com um selo - Este blog faz a minha cabeça. Segue o selo:

Agradeço ao Clênio por essa lembrança, e aproveito para divulgar seus dois blogs que já fazem há bastante tempo parte dos meus prediletos.

Segue os links deles:

1. Lennys' Mind
2. Um filme por dia

40 anos sem...

2010-10-04T18:58:00.003-03:00

Para ver um filme que trata da vida da Janis Joplin, clique aqui.

The Reader (2008)

2010-09-23T00:26:00.005-03:00

Foto 1 - Kate Winslet como Hanna Schmitz

O Leitor tenta levar o espectador ao choro através de uma estratégia já utilizada por Cinema Paradiso. No primeiro, as lembranças são reavivadas com fitas que contém histórias lidas no passado, no último, passagens de filmes censurados são reunidos e dão movimento a fatos e imagens presentes no imaginário do personagem principal. Bom, é verdade que ambas as passagens tiveram, em mim, o efeito pretendido pelo roteirista e diretor dos filmes. No entanto, o impacto sentido em O Leitor já não foi o de surpresa, nem de embasbacamento, visto que em Cinema Paradiso víamos uma ode ao Cinema, ao que em mim tocou mais profundamente.

O tema “memória” é algo recorrente na cinematografia, e é a esse mote que O Leitor se agarra. Tratando a vida como repleta de acasos e encontros casuais, o roteirista David Hare, o mesmo de As Horas, monta um quebra-cabeças inicialmente amoroso e por fim trágico. Ao passar mal, Michael (David Kross) conhece Hanna Schmitz (Kate Winslet), uma mulher que com o passar do tempo, superficialmente, aparenta não possuir sentimentos, a não ser, quando é inserida no mundo da literatura. Ela possui uma “estranha” paixão pelas histórias, e descobre em Michael a oportunidade de vivenciar aquilo que nunca poderia fazer sozinha. Em contrapartida, o jovem Michael beirava os 15/16 anos, estava com os hormônios em alta, então o incentivo encontrado por Hanna foi iniciar o garoto no sexo. A cada nova leitura, o rapaz tinha “direito” a uma nova transa. Enfim, grande parte do filme concentra-se nesse momento. No entanto, o “casal” se separa da mesma forma como se formou, abruptamente. Anos mais tarde, se encontram, só que de uma maneira não muito agradável.

Kate Winslet demonstra toda a sua técnica ao construir uma personagem claramente marcada pelo “moinho da vida”. Uma mulher que visivelmente sofreu e sofre com a vida. Incisiva, enfática, dura, tão complexa e multifacetada que um garoto de 15 anos não seria capaz de entender, e muito menos ajudar. Contudo, ficam duas questões: Kate Winslet ao interpretar Hanna beirando seus 60/70 anos, é uma senhora ou apenas uma senhora com maquiagem, com jeitão de 30 anos? E a segunda que já não tem a ver com a interpretação dela: Será que ela é a personagem principal do longa? O Oscar de melhor atriz foi justo? Não lhe caberia um Oscar de atriz coadjuvante? Mas apesar disso, sem dúvidas é um prazer vê-la em cena.

Sobre o filme vários temas são abordados, mas será que eles são tratados apropriadamente? A primeira parte eu acho que sim, a relação e os encontros amorosos dos dois são perfeitos, percebe-se uma sinergia positiva nas atuações. Entretanto, na outra metade do filme, há um problema ao se tratar uma questão tão complexa como dos crimes nazistas de forma tão abrupta e como gancho para realizar o link entre o passado e o futuro dos personagens. A sorte é que nas cenas vemos uma atriz gabaritada, caso contrário, o longa estaria fadado ao fracasso. Pela Kate Winslet vale a indicação da película!
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The Reader (O Leitor), Alemanha/Estados Unidos - 2008. Dirigido por Stephen Daldry. Com: Kate Winslet, Ralph Fiennes, David Kros. 124 minutos. Gênero: Drama, Romance.

Nota: 8.5

Far From Heaven (2002)

2010-09-21T19:40:00.004-03:00

Foto 1 - Julianne Moore como Cathy Whitaker

Presteza que beira ao conformismo define bem Cathy Whitaker (Julianne Moore)? Seria Cathy a Amélia de Ataulpho Alves e Mário Lago? Em uma sociedade totalmente pautada pelas aparências, onde os resultados do sucesso dependiam únicos e exclusivamente, da sua reputação, Cathy para além da síndrome de Amélia, não era apenas uma mulher fútil e afetada, como muitas da sua classe social. No entanto, em pouco tempo, sua vida desmorona. Antes presente na coluna social de sua cidade, tida como possuindo o modelo ideal de família, acaba sem ninguém a sua volta.

Nos momentos iniciais de “Longe do Paraíso”, escrito e dirigido por Todd Haynes, tive a impressão de estar em um dos épicos de Tennessee Williams, filmado por Elia Kazan. Ninguém melhor que esse dramaturgo americano retratou nas páginas dos livros as tensões vividas pelos homossexuais. E o homossexualismo é um dos elementos com que Cathy se depara. Mãe de duas crianças, e casada com Frank Whitaker (Dennis Quaid), descobre que seu marido é gay. Em busca de uma correção desse comportamento “desviante”, ele procura terapia tentando se livrar do “mal” que o faz se interessar por homens.

Outro tema tratado no longa é a questão racial. Cathy que se interessava por arte moderna, também era defensora dos direitos civis dos negros, uma mulher bastante avançada para a sociedade conservadora dos anos de 1950. Com seu casamento já em declínio, ela passa a conviver com seu jardineiro (Dennis Haysbert) e isso terá profundas conseqüências tanto para a própria Cathy, quanto para o próprio jardineiro.

Esteticamente o filme é belíssimo, a fotografia é de um primor que enche os olhos a cada tomada. A película foi feita para ter um clima de perdido no tempo, como se fosse uma miragem ou um sonho. Nada melhor então do que filmar nos cenários de outono, onde a paisagem do hemisfério norte é tomada por tons amarelados e alaranjados, e por folhas que caem das árvores caducifólias.

Cathy não era uma Amélia, puro e simplesmente. Era uma mulher dedicada a sua família, que, no entanto, vivia entre dois mundos. O falso e vazio mundo das aparências do ambiente que socialmente frequentava, visto que pertencia a uma elite local, e aquele mundo que acreditava. Acho que na verdade ela era uma sonhadora, para ela não havia obstáculos incapazes de serem transpostos, é verdade que isso beira a ingenuidade. Mas ela conseguiu ver no seu contato com o jardineiro a possibilidade de realização dessa utopia em plenos anos 50. Vivendo essa ambigüidade e, com certeza, angustiante condição está a Julianne Moore. E é preciso dizer, que performance inesquecível ela entrega aos espectadores. Sutil e delicada como as cores do outono, convincente como os ideais que acreditava, mas também ambivalente e confusa quando o mundo que vivia e que acreditava são postos em xeque. Por tratar de temas tão relevantes ainda nos tempos atuais, por ter uma cadência que a ambientação do filme se propõe, e pela atuação multifacetada e, por isso, brilhante da Julianne Moore, Longe do Paraíso é um longa que eu recomendo.
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Far from Heaven (Longe do Paraíso), Estados Unidos - 2002. Dirigido por Todd Haynes. Com: Julianne Moore, Dennis Quaid, Dennis Haysbert, Patricia Clarkson, Viola Davis. 107 minutos. Gênero: Drama.

Nota: 9,5

Afrosambajazz

2010-07-23T00:15:00.006-03:00

Recentemente ouvi alguém falar da desorganização sonora do samba quando comparado ao tango. Provavelmente essa pessoa nunca ouviu falar dos afrosambas de Baden Powell e Vinícius de Moraes. Neste trabalho, temos os mais diversos elementos da sonoridade africana, de atabaques e afoxés até agogôs. Para muitos, as composições deste álbum são divisoras de água da MPB. Numa dessas, eis que aporta aqui no Recife, o show de lançamento do álbum afrosambajazz, que é justamente uma releitura dos afrosambas de Baden Powell e Vinícius. Mario Adnet e Philippe Baden, acompanhados por uma ótima banda proporcionaram um verdadeiro espetáculo nesta noite de quinta-feira (22/07). A apresentação contou ainda com a belíssima participação especial da Mônica Salmaso. Esta que interpretou soberbamente canções como Canto de Yemanjá e Suite Yansan. O primeiro disco onde havia a influência africana foi combinada aos saxofones, pianos, trombones, bateria e arranjos de sanfona, isso tudo construindo uma harmonia musical, não apenas rica, como singular. Ouvi as conhecidas e clássicas Canto de Ossanha, Berimbau, Canto de Xangô, Lamento de Exu, apenas para citar algumas, e outras pouco conhecidas do repertório do Powell, como Sermão e Alodê. Não deixem de procurar mais informações sobre estes excelentes trabalhos, e se por acaso eles tiverem de show agendado nas suas cidades, não deixem de conferir.

Aos velhos tempos...

2010-07-08T17:51:00.003-03:00

MTV Unplugged com Phoenix

2010-06-26T09:52:00.004-03:00

Estando, no momento, em baixa como o mundo da sétima arte, eis que me aparece esse MTV Unplugged do Phoenix, banda francesa, que já foi destaque aqui do chá de poejo. A seguir, vídeo da música - Long Distance Call. Para ver o unplugged completo, clique aqui.

Phoenix
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Phoenix, MTV Music

Cartola: música para os olhos (2006)

2010-06-05T03:17:00.008-03:00

O que Ismael Silva, João da Baiana, Pixinguinha, Nelson Sargento, Xangô da Mangueira, Donga, Carlos Cachaça, Tia Ciata, Nelson Cavaquinho, Heitor dos Prazeres, Aracy de Almeida, Elizeth Cardoso, Elza Soares, Zé Keti, Nara Leão, Clementina de Jesus, Paulinho da Viola, Beth Carvalho e Hermínio Belo de Carvalho, apenas para citar alguns, tem a ver? Qualquer um que conhece minimamente a música popular brasileira sabe a resposta. Quem não sabe, que fique sabendo, é o amor pelo samba. E mais do que isso, foram nomes que fizeram parte da vida do Cartola de alguma forma.

Todas essas pessoas são citadas no documentário, Cartola: música para os olhos, que conta a história de vida do sambista mangueirense, ao mesmo tempo em que vários sambas e sambistas são apresentados. A estratégia do diretor talvez se justifique pelo fato de que a vida do Cartola se confunde com a própria história do surgimento e consolidação do samba enquanto elemento cultural brasileiro. Nesse sentido, defende-se a tese de que a história do ethos carioca equivale ao desenvolvimento do samba, seja ele o jeito boêmio ou malandro. Sem falar do fato das escolas de samba, os berços dos bambas, terem contado a história do Brasil em uma época em que se buscava uma identidade para o país. Um exemplo disso são os enredos sobre história do Brasil tratados pela ótica dos negros, vide, por exemplo, os desfiles do Salgueiro do final dos anos de 1950 e início de 1960.

No entanto, no filme também tem espaço, claro, para o protagonista Cartola. A película que é “regada” pelas belíssimas composições de sua autoria, narra entre outras coisas da sua vida, o seu encontro com Dona Zica. Fato marcante também é a passagem pela casa de samba ZiCartola que reuniu, na década de 1960, a nata dos sambistas cariocas. Enfim, são contados momentos desde o seu nascimento até a sua morte em 1980. O ostracismo vivido nos anos de 1950 e o ressurgimento do poeta que foi um dos fundadores da Mangueira nos idos de 1960.

Com relação a críticas negativas, tenho duas. A primeira é sobre o áudio. É verdade que a história é muitas vezes contada pelos próprios personagens da trama, e isso foi conseguido através de arquivos pessoais, e de gravações feitas há muitos anos. No entanto, não são justificativas para a má qualidade sonora, muitas vezes o que está sendo dito não é compreensível. E a segunda, é sobre a estratégia não muito boa de utilizar trechos de outros filmes para ilustrar momentos da história brasileira, achei que eles mais atrapalham do que ajudam. Entretanto, nada disso tira o brilho da produção, aliás, com relação à primeira crítica, chama atenção para uma melhor conservação do acervo cultural brasileiro. Enfim, é esse é um daqueles filmes essenciais para quem gosta de música brasileira. É a história de um brasileiro comum, que por uma daquelas coisas inexplicáveis tornou-se um dos maiores poetas populares, para alguns, o maior.

Para ver o site do filme, clique aqui.
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Cartola - Música para os olhos, Brasil - 2006. Dirigido por Lírio Ferreira e Hilton Lacerda. 85 minutos. Gênero: Documentário, Biografia.

Nota: 8.0

Parabéns pelos 105 anos!

2010-05-13T01:32:00.005-03:00

Hoje é um dia especial para todos fanáticos torcedores do Sport Club do Recife. Há exatos 105 anos, em 13 de maio de 1905, Guilherme de Aquino reunia, no Recife, ardentes seguidores fundando uma nação de vencedores. Apesar de ainda precisar melhorar em muitos setores da sua administração, e ai sim, entrar para o hall dos grandes clubes brasileiros, os incansáveis rubro-negros não cansam de dizer: Sport, uma razão para viver! Parabéns pelos 105 anos de existência, porque esse é o Sport que emociona, é o Sport que a gente ama!

A Single Man (2009)

2010-05-09T00:05:00.005-03:00

Um dia pode mudar o resto da nossa vida? A resposta é clara e óbvia. Sim! A sensação de vazio e do voar dos dias às vezes nos faz subestimar a importância que alguns minutos podem ter. Não é difícil, em algumas circunstâncias, termos que decidir ou mostrar nosso potencial em rápidos 15 minutos. E o resultado produzido neste curto período repercutirá sobre o que faremos nos próximos 2, 3 ou 4 anos. Pois bem, em A Single Man (2009) vivemos com George (Colin Firth) 1 dia de sua vida e descobrimos seu pesadelo, sua paixão e seu desafio. Seu pesadelo é lembrar-se da morte do companheiro (Jim), sua paixão foi o seu companheiro Jim (Matthew Goode) com quem viveu durante 16 anos, e o seu desafio é cometer o seu tão planejado suicídio.

George está morrendo por dentro – essa percepção é ajudada pelo belíssimo trabalho de arte do longa -, mas não se permite externalizar isso. Nem mesmo para sua melhor amiga, Charlotte (Julianne Moore), com quem na juventude teve um affair. Além disso, parece que ele não é um gay assumido, até porque estamos falando da Califórnia de 1962. Ou seja, ele tem um autocontrole que no contexto o torna cada vez mais sufocado. Ele não consegue se envolver com mais ninguém, nem mesmo de forma casual. Até que tem um tipo de situação atípica em um encontro que não foi programado com um de seus alunos (Kenny) que por coincidência se parece muito com ele. Kenny parece ter se envolvido com uma amiga, tal como George, mas que parece nutrir algum tipo de paixão pelo mestre.

A história que é contada em flashbacks é tomada por sentimentalismos. E esse último ponto para mim, é o que faz a película perder força. Esse ingrediente faz o drama se tornar em um dramalhão. Gosto muito de ver atores em cenas fortes que exigem grande capacidade cênica, mas convenhamos que a esfera criada de – ai meu Deus, vou me matar! – torna maçante alguns momentos do filme, até porque é evidente que ele não concretizará o ato. No entanto, um ponto muito positivo e que não deixa a trama descambar totalmente, é a atuação do Colin Firth e do elenco de apoio. Os momentos de cumplicidade de Firth e Moore são belíssimos – ajudados ainda mais pela maravilhosa voz da Etta James –, tal como o momento em que ele tem conhecimento da morte de Jim. Firth consegue mergulhar psicologicamente em um personagem pouco comum no cinema de maneira primorosa.

Em suma, A Single Man (2009) está longe de ser um clássico, no entanto, é uma aula de bom gosto. Dirigido pelo Tom Ford, cada figurino, cada plano e cada ator parece ter sido escolhido a dedo e com bastante esmero. No entanto, o excesso de sentimentalismo da trama prejudica o desenvolvimento do filme que se torna cansativo no tocante ao dilema do protagonista entre continuar a viver ou cometer suicídio. Sobre o excesso de artificialidade imposta pelo diretor que muitos andam criticando não são problemas para mim, em minha ótica, eles nos ajudam a entender o estado espiritual do protagonista e cria um clima cult interessante.

Para ver o site oficial do filme, clique aqui.
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A Single Man (Direito de Amar), Estados Unidos - 2009. Dirigido por Tom Ford. Com: Colin Firth, Julianne Moore, Nicholas Hoult, Matthew Goode. 101 minutos. Gênero: Drama.

Nota: 8.5

Alice in Wonderland (1951)

2010-05-07T12:31:00.011-03:00

Nota:

Essa postagem foi originalmente publicada por mim com o título de “Mas eu não quero ver gente maluca”, em 2009, quando eu ainda escrevia no “mão no teto e chão no pé”. Nessa versão, agora presente no chá de poejo, mudei o título e cortei algumas passagens.
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Você já imaginou um lugar onde flores pensam que você é uma erva daninha, lagarta faz o estilo fumante-intelectual, um coelho apressado corre porque está atrasado, um gato fica sob sua própria cabeça, chaleiras cantam, urubus são guarda-chuvas, corujas tem pescoço de sanfona e maçanetas falam? Pode acreditar, esse lugar existe! Pelo menos, em “Alice no País das Maravilhas (1951)”.Esse é um filme clássico que muitos devem ter assistido quando eram crianças. Sem dúvida, ter contato com essa obra da Disney é submergir e brincar com a imaginação.

Alice é uma garota chateada com sua vida sem grandes emoções. Para ela, sua vida é um livro sem figuras. Acredito que os psicanalistas adorariam ter uma paciente aos moldes de Alice. O filme antes de tudo é uma estética associada à psique da protagonista (que não é tão protagonista). Ou seja, o que vemos é um determinado imaginário extraído de um sonho, sem necessariamente, importar coisas como, coerência, significados racionais e adequação.

Mas nem pense que nesse mundo surreal – literalmente – há apenas devaneios. O real também está no nonsense. O encontro de Alice com a lagarta é um deles. Incessantemente, a lagarta pergunta à Alice: Quem é você? Ora, em minha perspectiva, isso pode ser interpretado, na passagem, tanto como um artifício para desqualificar a fala da menina, ou seja, um instrumento de poder, como uma indagação reflexiva sobre a existência dela. Aqui, o autoritarismo perde espaço para uma ação fenomenológica. A lagarta, na verdade, pergunta à Alice, como é que ela se percebe no mundo. E é a própria inquiridora que dá a resposta ao se transformar em borboleta.

Em um caminho tortuoso, regado a explicações incompletas e conclusões precipitadas, temos um segundo momento que merece destaque. O primeiro encontro de Alice com o gato de Cheshire inicia-se com uma pergunta simples: Qual caminho devo tomar? O gato caminha em uma linha tênue entre loucura e lucidez, é ele que alerta a garota da insanidade dos outros, e dá pistas de como sobreviver neste ambiente. Veja se isso não é a vida real. 1) Estar com os outros, e discordar minimamente deles; 2) Tentar não irritar as pessoas; 3) Elogiá-los; e 4) Se adequar ao local, ou seja, nunca tente inovar muito em circunstâncias estranhas. Seguindo essas quatro regras, você sempre será bem quisto.

Mas ainda não é esse o ponto. O mais interessante nesse encontro, é como o gato transmite a ideia de escolha associada a de responsabilidade individual. Se não se sabe qual caminho tomar, é porque não se sabe para onde ir, uma ótima definição para o que chamamos de “indecisão”. A seguir, uma pequena transcrição da conversa que se refere a esse debate que estamos tendo.

Alice: Eu só queria saber que caminho tomar.
Gato: Isso depende do lugar aonde quer ir.
Alice: Realmente não importa.
Gato: Então não importa que caminho tomar.

Enfim, para além de um filme infantil, “Alice no País das Maravilhas (1951)” traz bons pensamentos nada infantis. Diferentemente, de outros filmes com a marca Disney, este além do seu pouco ou nenhum comprometimento com a realidade, mostra que para um filme ser bom, não é preciso: 1) Que ele gire em torno de um grande propósito ou dilema, e/ou 2) Que haja uma lição de moral a ser apreendida ao longo dele. Quem não o viu depois de adulto, que o veja!
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Alice in Wonderland (Alice no País das Maravilhas), Estados Unidos - 1951. Dirigido por Wilfred Jackson, Hamilton Luske e Clyde Geronimi. Com: Verna Felton, Kathryn Beaumont, Richard Haydn. 75 minutos. Gênero: Animação, Fantasia, Musical.

Nota: 9.0

PENTACAMPEÃO!

2010-05-06T02:56:00.002-03:00

Alice in Wonderland (2010)

2010-05-03T03:59:00.005-03:00

É sempre difícil analisar um filme quando temos por referência outro que possui o mesmo enredo. É impossível não fazer comparações, e por isso, esse texto está cheio delas. Aqui é preciso dizer que o filme do diretor Tim Burton traz novas dimensões e a história é contada de forma mais “redonda” do que aquele produzido pela Disney em 1951. O que quero dizer com isso? Ao mesmo tempo em que entendemos um pouco da vida de Alice (por ex., a sua pseudo-festa de noivado com um engomadinho que é um baita de um chato), e de como algumas pessoas da sua vida “real” se parecem com personagens do seu “sonho”, perdemos os insights nonsenses presentes no da Disney.

Dessa vez, temos atores que chamam atenção, se não pela performance, pelo menos pela beleza como Anne Hathaway, Mia Wasikowska, Helena Carter e Johnny Depp, em contrapartida, temos um ambiente hostil e árido, com pouca vida e poucas cores. É um filme para adultos? Bom, nessa nova aventura de Alice, ela tem um objetivo do qual não compartilhava em 1951. A saber, ela deve livrar o “mundo subterrâneo” – porque agora é advogado que tal mundo existe de fato, e ele só é “país das maravilhas” para a própria Alice – da tirania da rainha de copas. Ou seja, a garota – não, ela não é mais uma garota, mas sim, uma jovem adolescente – é uma espécie de “escolhida”, uma heroína (observação para seu traje de guerreira medieval nas cenas finais).

Talvez para justificar a ida de um público maior aos cinemas, os produtores optaram por dar um toque de aventura na trama. Sinceramente, não acho que caiu bem. Além disso, quem não sabia que na batalha Alice não seria a vencedora? Regra do cinema mainstream: Os protagonistas sempre vencem e nunca morrem. E o “quase clima de romance” entre Alice e o Chapeleiro Maluco? Beira ao piegas. Fora o renascer da jovem após sair do mundo subterrâneo, dizendo as verdades do mundo a todos, e transformando-se numa “mulher de visão e de negócios”.

É verdade que algumas mensagens ainda são transmitidas na película. Como o fato de enfatizar a perda paulatina de imaginação à medida que crescemos. No entanto, momentos essenciais são perdidos no ar, tal como o encontro de Alice com o gato ou com a lagarta. Aliás, eles existem, mas os temas são superficialmente abordados – será que em prol do grande público? Nada contra releituras, contanto que elas sejam boas, e não sei se esse é o caso de Alice no País das Maravilhas (2010). Por isso, continuo preferindo aquele mundo “onde flores pensavam que você é uma erva daninha, lagarta fazia o estilo fumante-intelectual, um coelho apressado corria porque estava sempre atrasado, um gato ficava sob sua própria cabeça, chaleiras cantavam, urubus eram guarda-chuvas, corujas tinham pescoço de sanfona e maçanetas falavam.”

Certa vez quando escrevia no “mão no teto e chão no pé”, escrevi sobre o Alice no País das Maravilhas (1951), posteriormente pretendo postar esse texto aqui no chá de poejo. Para ver o site oficial do filme, clique aqui.
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Alice in Wonderland (Alice no País das Maravilhas), Estados Unidos - 2010. Dirigido por Tim Burton. Com: Anne Hathaway, Mia Wasikowska, Helena Carter, Johnny Depp. 108 minutos. Gênero: Aventura, Fantasia.

Nota: 7.0

O chá de poejo é um novo membro da SBBC

2010-05-03T03:52:00.007-03:00

É com grande satisfação que anuncio o fato do chá de poejo, a partir de agora, fazer parte da SBBC (Sociedade Brasileira de Blogueiros Cinéfilos). Agradeço a todos que votaram em meu blog pela confiança, e juro, que apesar do tempo escasso, estar sempre emitindo minha opinião neste espaço, participar das atividades da SBBC, e estar por dentro do que meus colegas tem escrito ultimamente. Afinal de contas, neste blog, o Cinema está em primeiro lugar.

Shutter Island (2010)

2010-04-17T14:10:00.002-03:00

Curar alguém considerado socialmente louco é possível? Realmente, não faço a mínima ideia. No entanto, transformar alguém em louco, é totalmente razoável. E se a intenção do Martin Scorsese era essa, ele conseguiu, pelo menos comigo. Há muito tempo não ficava confuso ao ver um filme. Explico-me melhor. Às vezes a confusão acontece porque não se compreende a trama, como quando vi The Doom Generation do Gregg Araki, outras vezes, a confusão significa imersão total na obra, ou seja, a “mão invisível” do diretor atua sobre o espectador, e ele fica atordoado, com dúvidas. Essa última descrição cabe perfeitamente em Shutter Island, o novo longa do Scorsese.

Quem está em teste, quem está sendo procurado, quem é que precisa decifrar o “enigma da esfinge”, nós ou o Teddy Daniels (Leonardo DiCaprio)? Scorsese retrata a psique humana como há muito tempo eu não via, para ser mais preciso, desde Persona do Ingmar Bergman. Acredito que a fonte inicial do diretor, recém premiado com o Prêmio Cecil B. DeMille da HFPA, foi um filme dos anos de 1960 – The Manchurian Candidate – se puderem, dêem uma espiada nele. Além disso, que trabalho de cinematografia, posso citar a cena inicial com o barco saindo do nevoeiro, e aquela ilha rochosa ao fundo, beira ao poético, fora o acompanhamento sonoro. No mais, várias são as leituras sobre a película (Shutter Island), visto que vemos, ao menos, dois filmes diferentes, com dois protagonistas distintos. Inicialmente, pensamos em manipulação, em seguida, que os loucos são ótimos atores. E nesse contexto não há espaço para juízos de valores ou regras morais, além de que, o que é moral para os viventes naquele manicômio?

Não sei se o DiCaprio poderá evoluir mais do que isso, mas que ele já não é mais o mesmo de Diamante de Sangue, isso ele não é. Você o viu atuando neste filme? Nessa época sim, ele era um desastre! Isso confirma a minha hipótese de que um bom diretor exerce uma influência inimaginável sobre o ator. Em nenhum outro momento da sua carreira, eu o vi adentrando tão profundamente em um labirinto tal qual o do minotauro. Ele percorre um caminho que por mais cartesiano que queira ser, não consigo descrever linearmente. Quer dizer, até consigo, mas as nuances narrativas só o ator consegue nos transmitir, e acredito que ele consegue fazer isso. Se ele era o mais indicado para o papel, ai já é outra discussão.

Sobre o final que alguns julgam previsível, eu digo: previsível é uma ova! Aquele desfecho é o que explica o que de fato aconteceu durante todo o tempo sem que percebêssemos. De fato, eu estava tanto quanto o Teddy no mundo dos sonhos. Os parâmetros iniciais que para nós pareciam ser verdadeiros, viram poeira tal como na cena em que DiCaprio abraça a esposa e ela vira cinzas. Chega um momento que perdemos as referências do que é lucidez ou delírio no protagonista. Estamos presos com Teddy em um horror psicológico onde o real é apenas um detalhe, e o imaginado ou a loucura - como preferirem - é o predominante. Não sei se fui ingênuo, só sei que em mim os mistérios da ilha surtiram efeito.

Para ver o site oficial do filme, clique aqui.
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Shutter Island (Ilha do Medo), Estados Unidos - 2010. Dirigido por Martin Scorsese. Com: Leonardo DiCaprio, Mark Ruffalo, Ben Kingsley, Max von Sydow, Michelle Williams, Patricia Clarkson. 138 minutos. Gênero: Drama, Suspense.

Nota: 9.4

O Flamengo é...

2010-04-14T19:04:00.006-03:00

É mesmo Globo, que novidade, hein?!

O Flamengo é pentacampeão brasileiro. (ponto final) 1987 é do Sport Club do Recife. (ponto final) Agora, a imprensa e o próprio clube carioca podem continuar repetindo a mesma mentira de sempre. No entanto, também podem se contentar, afinal de contas, o título é rubro-negro, só que tem como mascote um leão.

Para informações oficiais, clique aqui. O link leva diretamente ao site da CBF, onde é possível realizar o download da decisão final da entidade.

Coisas de Norma Desmond

2010-04-11T21:12:00.005-03:00

Frases inesquecíveis do filme "Sunset Boulevard - 1950" quase todas ditas pela sua protagonista Norman Desmond (Gloria Swanson).

1. "Madame is the greatest star of them all." (Max Von Mayerling)

2. "I am big. It's the pictures that got small."

3. "No-one ever leaves a star. That's what makes one a star."

4. "We didn't need dialogue. We had faces! There just aren't any faces like that anymore. Maybe one. Garbo."

5. "Great stars have great pride."

6. "Why do they beg me for my photographs? Why? Because they want to see me, ME, NORMA DESMOND!"

7. "And who've we got now? Some nobodies!"

8. "Stars are ageless, aren't they?"

9. "You see, this is my life! It always will be! Nothing else! Just us, the cameras, and those wonderful people out there in the dark!... All right, Mr. DeMille, I'm ready for my close-up."

Boas cenas, belas músicas

2010-04-08T01:47:00.003-03:00

Não há nada para dizer que a própria cena já não diga. Essa é a representação máxima do poder que o Cinema tem sobre os espectadores. Por que mesmo sabendo se tratar de uma ficção nos emocionamos? Estamos sendo "manipulados", a priori, temos consciência disso, mas é comum nos deixar levar pelas "mãos invisíveis" do diretor. Essa é a magia que só a sétima arte consegue produzir!

Cena do filme "Cidade dos Sonhos" de 2001, dirigido por David Lynch.
Música "Crying", escrita por Roy Orbison e Joe Melson e interpretada por Rebekah Del Rio.

O Mistério do Samba (2008)

2010-04-04T18:06:00.004-03:00

Acredito que uma das inquietações de quem ouve sambas antigos é entender como aquelas canções foram criadas. Pois saiba, que verdadeiros clássicos da Música Popular Brasileira, são originários das rodas de bambas, lá dos subúrbios, principalmente, cariocas. Da mesma forma que Cartola canta em "Sala de Recepção", eu digo e pergunto, "Habitada por gente simples e tão pobre. Que só tem o sol que a todos cobre. Como podes, Mangueira, cantar?" Pois bem, você retira Mangueira, e poe Portela que o resultado será o mesmo.

Para tentar compreender a realidade e o poder criativo do samba, a cantora Marisa Monte, entra no cotidiano da comunidade e agremiação carnavalesca Portela, umas das mais tradicionais do carnaval carioca, situada na zona norte, no bairro de Oswaldo Cruz. A gravação do documentário durou dez anos, e começou quando Marisa Monte resolveu resgatar sambas esquecidos para seu disco "Tudo Azul". Nos 88 minutos do documentário, alguns elementos constitutivos do samba nos são revelados pelos compositores da escola. Dentre eles, pode-se citar a melancolia, os amores, a tristeza e a realidade da comunidade.

É bonito ver os velhos rostos do samba, já que atualmente, só vemos artistas, que só aparecem uma vez no ano nas quadras das escolas de samba. É como diz um samba-enredo do Império Serrano: "Super Escolas de Samba S/A. Super-alegorias. Escondendo gente bamba. Que covardia!" Ao contrário disso, os roteiristas tem a nítida intenção de mostrar as raízes do samba, e é por isso que vemos Monarco, Tia Surica, Tia Eunice, Dona Áurea, e alguns mais conhecidos, como Paulinho da Viola e Zeca Pagodinho. Como diria Chico Buarque, em "Chão de Esmeraldas", "É a realeza dos bambas que quer se mostrar." Nada mais, nada menos que a Velha Guarda da Portela. O Mistério do Samba é um documentário recomendadíssimo para todos que gostam do bom samba de raíz, e para aqueles que também não tem tanta aproximação com o gênero musical, pois as composições que ouvimos são realmente de extrema beleza.
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O Mistério do Samba, Brasil - 2008. Dirigido por Carolina Jabor e Lula Buarque de Hollanda. Com: Marisa Monte, Paulinho da Viola, Zeca Pagodinho, Velha Guarda da Portela. 88 minutos. Gênero: Documentário - Musical.

Nota: 10.0

Sei lá Mangueira

2010-03-25T19:55:00.001-03:00

"Sei lá Mangueira" é o nome da canção que Paulinho da Viola junto com Hermínio Bello de Carvalho fizeram homenageando a Estação Primeira de Mangueira. Ela também foi responsável por deixar os componentes da Portela enciumados e mote para tempos depois, o mesmo Paulinho da Viola compor "Foi um rio que passou em minha vida", música que conta como ele se apaixonou e se tornou portelense. Essa música lançada no carnaval de 1970, antes da entrada da Portela na passarela do samba, foi um dos momentos mais emocionantes para ele. Por conta do precário sistema de som daquele tempo, em determinado momento, o som desapareceu, mas a música já tinha caido no gosto do povo. Então, como em ondas, cada vez mais, todos a cantavam na avenida, e isso se tornou um fato inesquecível para um dos grandes poetas da Portela. Abaixo, veja os vídeos das duas canções citadas nesse texto.

Se eu for falar da Portela...

2010-03-25T11:53:00.005-03:00

Como diria o Monarco da Portela na música "Passado de Glória": "Se for falar da Portela, hoje não vou terminar". Por isso, vou me restringir a colocar um vídeo da belíssima canção "Quantas Lágrimas" de um dos maiores compositores portelenses, Manacéia. Abaixo, além de ver a Velha Guarda da Portela, também vemos o Paulinho da Viola, e o próprio Manacéia.

The Ten Commandments (1956)

2010-03-16T11:07:00.001-03:00

Um filme clássico é reconhecido por vários motivos, dentre eles, sua grandiosidade, seu enredo, seus atores, sua direção, os momentos inesquecíveis. Certa vez, li um texto do Italo Calvino (1993), Por que ler os clássicos, e uma das razões que o autor dá é: "Os clássicos são aqueles livros dos quais, em geral, se ouve dizer: "Estou relendo... " e nunca "Estou lendo... "" (p. 9). Substitua livros por filmes, e o resultado será o mesmo. Lembro de ter visto Os dez mandamentos ainda criança, e sendo sincero, nem sabia quem era o Cecil B. DeMille, e muito menos, qual era a sua importância para o cinema. No entanto, a sensação de embasbacamento diante da dimensão daquelas tomadas, e daqueles efeitos e paisagens foi tão arrebatador ao ponto de ficar impressa na minha memória. Instigado pelas reflexões do Martin Scorsese, em documentário que comentei no post abaixo, decidi rever tal película, e me vi novamente inspirado pela leitura que tinha feito no início da minha graduação: "Toda releitura de um clássico é uma leitura de descoberta como a primeira" (Calvino, 1993, p. 11).

Desta vez, um pouco mais amadurecido, percebi uma série de contrastes, e o esmero das mãos geniais de um diretor de visão. Coisas como a maestria que é produzida a cena inicial, para não citar tantas outras, onde os judeus puxam aquela enorme esfinge, e nós somos conduzidos a ver e interpretar a cena da forma como o diretor quer. Ou ainda, observar a manifestação da diferença de poder, apenas por uma comparação visual de tomadas. Ou seja, de um lado, a fábrica de gerra do faraó, por outro, uma simples caravana de israelitas. Além disso, é notável o seu trabalho e sua atenção aos pormenores. As tomadas podem ser em grandes planos, mas as particularidades e individualidades conseguem se sobressair em cenas com grandes multidões. Da mesma forma que as composições dos cenários, e as posições dos personagens são estritatemente planejadas e com uma razão de ser. Um clássico se faz com esmero, estudo, pesquisa, dedicação, cobrança e perfeccionismo.

Quem dá vida aos personagens, são artistas de ponta. Citando apenas dois, Charlton Heston (Moisés), o mesmo de Ben-Hur (1959) e Anne Baxter (Nefertiti), a mesma de All About Eve (1950). O meu destaque é para a última, que em matéria de sensualidade e cinismo está bem em todas as cenas que faz desse gênero. Já o ponto positivo do Heston é que ele consegue envelhecer com o personagem, claro, ajudado pela pesada maquiagem. Além disso, participa de algumas das cenas mais memoráveis do Cinema, como a da abertura do Mar Vermelho, ou aquela em que conduz os dez mandamentos. Um clássico também se faz com atuações, personagens e momentos marcantes.

DeMille sabia que um verdadeiro espetáculo por si só, nunca faria um grande filme. Por isso, gastava muito tempo trabalhando na dramaturgia e na composição das cenas, do que na planificação de efeitos fotográficos. Seus filmes, produzidos em CinemaScope, que na época eram tidos como feitos para as massas alienadas que não estavam antenadas com a produção européia, escondia muitas facetas para ser considerado grande. Visto que para ele, Os dez mandamentos seria o maior filme produzido até então, com a maior quantidade de recursos (humano, monetário, tempo, tecnológico...) gastos. E sua promessa tornou-se realidade. Com cinco anos de produção, figurinos extravagantes, cenários perfeitos, atuações marcantes, direção milimetricamente pensada, entra para o hall dos grandes épicos do Cinema mundial.

Pode-se comparar DeMille com o James Cameron, em alguns aspectos. O primeiro, muitas vezes visto como megalomaniaco (como o segundo), por conta do tamanho das suas produções, e carrasco (como o segundo) pelo minunciosismo, esmero e seriedade que impunha a aqueles que com ele trabalhava. No entanto, sabia que nada disso era suficiente se não tivesse em seu alicerce um bom roteiro, defendido por bons atores. Ou seja, ele era adepto das inovações tecnológicas, não da técnica pela técnica. Podemos dizer o mesmo do segundo? Acredito que não. Avatar, por exemplo, também teve um tempo impar de incubação, cerca de dez anos, utilização de tecnologia de ponta, tinha tudo para se tornar um grande Filme (repare o f maiúsculo). Qual argumento é defendida pelo enredo? Quais os momentos dramáticos vividos por seus personagens? Qual a intensidade dessas atuações? Para mim, Cameron faltou as aulas onde se discutiu Cecil B. DeMille, ou o D.W. Griffith. Não tenho dúvida que Cameron nunca será esquecido, tal como seu filme, o resultado que eles alcançaram foram indiscutivelmente satisfatórios diante da indústria cinematográfica, mas o seu caráter inovador é técnico, onde está a evolução na linguagem ou na forma de conduzir o capital humano?

É por isso que termino com as palavras do Calvino (1993, p. 15), "É clássico aquilo que persiste como rumor mesmo onde predomina a atualidade mais incompatível." Não à toa DeMille até hoje é cultuado, e seus filmes revistos, quase sessenta anos depois de produzidos. Seus códigos continuam a influenciar, seu estilo continua a ser reinventado, e sua linguagem permanece iluminando jovens diretores e apreciadores da sétima arte. É realmente um sonho passar quase quatro horas admirando cada instante de Os dez mandamentos, a cada cena percebemos os momentos de pura invenção e dedicação de seu diretor.

Referência Bibliográfica:
CALVINO, I. (1993). Por que ler os clássicos. (trad) Nilson Moulin, Companhia das Letras, SP.
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The Ten Commandments (Os Dez Mandamentos), Estados Unidos - 1956. Dirigido por Cecil B. DeMille. Com: Charlton Heston, Yul Brynner, Anne Baxter, Yvonne De Carlo, Vincent Price. 220 minutos. Gênero: Épico, Drama.

Nota: 10.0

A Personal Journey with Martin Scorsese Through American Movies (1995)

2010-03-12T19:54:00.001-03:00

Uma Viagem Pessoal com Martin Scorsese pelo Cinema Americano, poderia muito bem para mim, ser: Uma Aula sobre o Cinema Americano com Martin Scorsese. Em quase 4 (quatro) horas de duração, ele fala sobre os gêneros que de algum modo o influenciaram enquanto diretor. Seja o faroeste, os musicais, os filmes de gangster ou os noir. No documentário, ele também avalia a técnica e a mudança das ideias no cinema e do fazer cinema. Ou seja, a mudança do filme de 35 mm para o de 70 mm, a transição do cinema mudo para o falado, ou ainda, do preto e branco para o advento do technicolor. Além de discutir os grandes idealizadores clássicos, D.W. Griffith e Cecil B. DeMille.

Divide ainda os diretores em dois grupos, o dos "contrabandistas" e o dos "iconoclastas". No primeiro, cita King Vidor e Howard Hawks, onde ambos trabalhando dentro do esquema imposto pelos grandes estúdios, realizaram projetos altamente pessoais e de estilos incomparáveis. Já no segundo, cita Erick von Stroheim, que foi engolido pela indústria, e outros que tiveram mais sucesso, como Kubrick e Cassavetes. Estes últimos, romperam com o sistema de produção da época, e foram reconhecidos por isso.

Enfim, o documentário está dividido em três capítulos, subdividos em várias outras partes. É algo indispensável para aqueles que querem entender o Cinema, e em especial, o americano clássico que influenciou os trabalhos de Scorsese. São verdadeiras aulas de cinematografia e dão luz a várias produções desse diretor. Então, incrementando, é fundamental para quem quer conhecer o cinema americano clássico, e é essencial para entender os filmes realizados por esse diretor norte-americano. É claro que essa breve resenha não contem todas as nuances tratadas no documentário, apenas introduzi algumas questões de maior relevo. Por isso, vale a pena dar uma olhada em todo o trabalho.
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A Personal Journey with Martin Scorsese Through American Movies (Uma Viagem Pessoal com Martin Scorsese pelo Cinema Americano), Estados Unidos e Reino Unido - 1995. Dirigido por Martin Scorsese e Michael Henry Wilson. Com: Francis Ford Coppola, Brian De Palma, Frank Capra, Clint Eastwood, George Lucas, Arthur Penn, Billy Wilder. 225 minutos. Gênero: Documentário.

Nota: 10.0

A Lady Rouge Marion Cotillard

2010-03-10T20:53:00.000-03:00

Veja abaixo o segundo vídeo da campanha das bolsas "Lady Dior" da marca Dior (é óbvio). A atuação é da Marion Cotillard, nele ela canta a música "The Eyes of Mars", especialmente composta pelo pessoal do Franz Ferdinand. No vídeo, a atriz atua como "Lady Rouge", e a francesa está com um look vermelho de impressionar qualquer marmanjo.

A seguir, é possível ver o primeiro vídeo, onde ela interpretou a "Lady Noir". Nesse, a inspiração surgiu de Hitchcock. Ela me fez lembrar as atrizes clássicas do cinema americano. Não à toa é tida como uma das grandes atrizes da atualidade.

Deverá haver ainda um terceiro vídeo, onde ela viverá a "Lady Blue".

Comentando outros aspectos da noite no teatro Kodak

2010-03-08T23:43:00.003-03:00

Foto 1 - O palco estava azul, mas a noite foi mesmo de Guerra ao Terror

Esse post tem a função de repercutir, não mais os vencedores da noite, mas alguns momentos que chamaram a atenção.

Nessa edição do Oscar, achei o seu formato legal. Houve o tão sonhado dinamismo com dois anfitriões que em alguns momentos não eram tão engraçados, mas sempre bem afiados. Acho que nunca vou esquecer o que disse o Steven Martin sobre Avatar no final da premiação, pegando na mão da Bigelow que estava com dois Oscars.

Foto 2 - Michelle Pfeiffer no Oscar 2010

Mas nem tudo foram flores. Não gostei daquela apresentação de dança de rua para mostrar os indicados a Melhor Trilha Sonora. No entanto, achei de bastante bom gosto o momento em que os indicados a atores e atrizes principais foram apresentados. Sobre isso, é preciso enfatizar a beleza ofuscante da Michelle Pfeiffer naquele vestido vermelho; o discurso da Oprah Winfrey elogiando a Sidibe, dizendo que há pouco tempo atrás, ela era uma jovem que trabalhava para pagar seus estudos, e que pouco tempo depois, na noite do Oscar, concorria numa das principais categorias ao lado da Meryl Streep; uma coisa que disse o Peter Sarsgaard com relação à Carey Mulligan, que o bom dela ser jovem, é que nós espectadores, teriamos uma longa carreira de sucesso para acompanhar... e eu concordo com ele; por fim, teve o Stanley Tucci para falar da Streep, a qual chamou de melhor atriz dos nossos tempos. E como falar isso já não é mais novidade, ele brincou dizendo que iria começar uma campanha para estabelecerem um teto de indicações. O máximo passaria a ser 16 (dezesseis), ou seja, o número de indicações que a atriz possui. Porque, ela é muito egoísta, em quase todos os Oscars ela está, e é uma papa prêmios.

Após esse momento de descontração, e emoção, veio o Seann Penn que apresentaria a vencedora do Oscar de Melhor Atriz. Só que antes do anuncio, ele fez uma crítica, dizendo que várias atrizes merecedoras de estar entre as cinco indicadas a melhor atriz, há um longo tempo não eram incluidas na seleção final. Além disso, disse que por essas e outras é que nunca se tornou membro oficial da Academia, provavelmente, ele passará um bom tempo de molho.

Foto 3 - Kathryn Bigelow recebendo seu segundo Oscar da noite das mãos do Tom Hanks

Também foi engraçado ver a desorientação da Bigelow que após receber o Oscar de Melhor Direção, ainda saindo do palco, foi surpreendida com o anuncio de que Guerra ao Terror também vencera em Melhor Filme.

Foto 4 - Homenagem da Academia ao John Hughes

Houve também uma justa homenagem ao John Hughes, que contou com a presença do Matthew Broderick e do Macaulay Culkin (o cara está muito bizarro).

Foto 5 - A Meryl Streep estava belíssima, mas não foi dessa vez que ela recebeu seu terceiro Oscar

Outra decepção da noite, mas esta pré anunciada, foi a vitória da Bullock em cima da Streep. Sobre a primeira, fez até um discurso bacana, sobre a última, continua a luta dela para conseguir o tão almejado terceiro Oscar. Vale dizer que ela estava linda com aquele vestido branco.

Só mais uma coisa, eu preferia, e ainda prefiro, o and the Oscar goes to...

Agora a vida volta ao normal depois de todas essas premiações que culminam com a entrega dos Oscars. Poucas foram as surpresas, como sempre, houve ganhadores merecidos, outros nem tanto. No entanto, acredito que o saldo foi positivo, e agora, já fico contando os dias para a próxima temporada de prêmios no cinema.

Comentando alguns dos vencedores do Academy Awards 2010

2010-03-08T16:43:00.003-03:00

Foto 1 - Kathryn Bigelow com seus dois Oscars, um como melhor diretora, e outro pelo melhor filme do ano

Primeiro, vou falar da minha única surpresa, ela aconteceu na premiação de Preciosa: Uma História de Esperança na categoria de Melhor Roteiro Adaptado. Aqui, eu previa a vitória de Amor sem Escalas de olhos fechados, não só prevendo o que possivelmente ocorreria, mas por convicção pessoal.

Nas outras categorias principais, não tivemos nenhuma surpresa, pelo menos, não aconteceu nenhuma zebra.

Como Melhor Ator, Ator Coadjuvante e Atriz Coadjuvante, venceram os esperados que também eram as minhas apostas, e aqueles que achava justo que vencessem. Como Melhor Atriz, levou a Sandra Bullock, o que não foi surpresa para mim, já que ela foi a minha aposta, no entanto, não foi a minha escolha, qualquer outra teria mais consistência artistica para ganhar. Meu voto "ideológico", digamos assim, era para a Meryl Streep.

Na categoria de Melhor Roteiro Original, utopicamente, esperava que os acadêmicos reconhecessem, já que não como melhor filme, ou diretor, Bastardos Inglórios como possuindo o melhor enredo do ano, mas... O vitorioso foi Guerra ao Terror que, de fato, teria sido uma escolha mais sensata nas minhas previsões. Confesso que aqui houve uma precipitação na minha escolha.

Mas o melhor da noite ainda estava para acontecer. Como disse o Steven Martin no final da premiação, que o show tinha sido tão longo que Avatar parecia ocupar um lugar no passado. Ele chegou a essa conclusão, após as sucessivas vitórias de Guerra ao Terror, durante a noite, mas principalmente, nas categorias de Melhor Direção, e logo após, Melhor Filme. O filme do Cameron que aparentava ser o bicho papão da 82ª edição do Oscar, não passou de motivo para gozação, todos sempre tinham uma piada que envolvia os Na'vis outrora tão assustadores. A verdade é que depois do anuncio da Barbra Streisand, dizendo que finalmente tinha chegado o momento, já sabiamos da vitória da Kathryn Bigelow, e posteriormente, do seu filme, Guerra ao Terror (esse fato vale um outro post depois, sobre o que a Academia pode ter sinalizado com essa escolha).

Analisando os vencedores, e principalmente, o triunfo de Guerra ao Terror, o Oscar desse ano, foi bastante satisfatório para mim. Agora, alguém pode me dizer por que Avatar levou Melhor Fotografia?

O resultado dos melhores do ano no chá de poejo

2010-03-08T14:37:00.008-03:00

O chá de poejo divulga os melhores de 2009 na opinião dos visitantes do blog. Na votação desse ano, os votantes tiveram a oportunidade de selecionar, em um primeiro momento, os cinco melhores da temporada, para que em seguida, escolhessem os melhores do ano em sete categorias. Lembrando que nem sempre os indicados coincidem com os indicados ao Oscar, já que aqui, quem manda é você. Inclusive, os resultados, em algumas categorias, não coincidem com o da cerimônia que aconteceu ontem no Teatro Kodak. Veja abaixo os resultados dos melhores do chá de poejo, e ao lado da estatueta do Oscar, o vencedor da categoria, segundo o Academy Awards:

Guerra ao Terror

Bastardos Inglórios

Sandra Bullock

Meryl Streep

Mo'Nique

Mo'Nique

Jeff Bridges

Jeff Bridges

Christoph Waltz

Christoph Waltz

Guerra ao Terror

Bastardos Inglórios

Kathryn Bigelow

James Cameron

Respirando aliviado...

2010-03-08T02:20:00.004-03:00

Esse post é apenas para deixar expressa a minha satisfação com as escolhas dos eleitores do Academy Awards 2010. Principalmente, naquilo que se refere ao burburinho que havia entre Guerra ao Terror e Avatar, e a forma como foi concluida essa disputa.

Para ver os vencedores da noite, clique aqui.

Mais tarde, escrevo um post sobre as minhas impressões da premiação.

É hoje o dia!

2010-03-07T13:10:00.003-03:00

Digam o que quiserem dizer, falem bem ou mal, o Oscar é "madeira de lei que cupim não rói". Está na sua 82ª edição, mas não perde seu glamour, justamente, por causa da sua tradição. Quantos artistas memoráveis já receberam um "carequinha" desses? É isso que o faz único, desejado e mágico. Nele, já ocorreram momentos célebres, e muitas decepções, mas é por isso mesmo que é tão aguardado. Além de claro, ser a premiação da maior indústria do entretenimento do mundo. Não sei se há alguém nesse planeta que nunca tenha ouvido falar dele, só sei que para mim, é uma noite imperdível.

Esse ano, o seu formato foi alterado, mudou-se o número de indicados à categoria principal (Melhor Filme). Há críticas a serem feitas? Sim, há. É uma boa inovação? Em alguns aspectos, sim. Terá o resultado esperado pela Academia? Só saberemos dentro de algumas horas. É isso mesmo, todo ano é a mesma coisa. Criam-se expectativas e torcidas, para tudo se acabar em algumas horas. O Oscar é efêmero por natureza. Glamour, tradição, efemeridade, esses são alguns elementos que alimentam a vontade que temos todos os anos de ficar vidrados na tela da tv, sonhando um dia, quem sabe, estar naquela cerimônia.

Haveria outras coisas a dizer sobre a premiação, mas vou deixar para outro momento. No mais, daqui há um pouco mais de 8 (oito) horas, começa a movimentação no tapete vermelho, para que às 22 hs, horário de Brasília, comece a entrega das estatuetas mais comentadas e aguardadas da sétima arte. O vídeo abaixo mostra, em 30 segundos, o que todos esperam da festa. And the Oscar goes to...

Os apresentadores do Academy Awards 2010

2010-03-06T17:11:00.002-03:00

Na imagem, alguns dos rostos que veremos amanhã na 82ª edição do Oscar

Abaixo, é possível ver os nomes de todos que entregarão as estatuetas douradas aos vencedores do Academy Awards 2010.

Fonte: Clique aqui.

Os filmes indicados ao Oscar 2010 e um panorama do que pode acontecer na premiação

2010-03-06T13:25:00.003-03:00

Acima, pode-se ver todos os indicados ao Oscar 2010 na categoria de melhor filme. Com exceção de Up - Altas Aventuras, todos estão seguidos por uma pontuação dada pelo blog. Abaixo, você pode acessar os links que o levará às críticas completas de cada filme. O único que não possui análise é Up, porque na época que vi o longa, ainda não tinha blog.

1. Bastardos Inglórios (Inglourious Basterds, 2009) - Nota: 10.0

2. Guerra ao Terror (The Hurt Locker, 2008) - Nota: 10.0
3. Amor sem Escalas (Up In The Air, 2009) - Nota: 9.5
4. Educação (An Education, 2009) - Nota: 9.5
5. Um Homem Sério (A Serious Man, 2009) - Nota: 9.3
6. Preciosa (Precious: Based on the Novel Push by Sapphire, 2009) - Nota: 9.2
7. Avatar (Avatar, 2009) - Nota: 9.0
8. Distrito 9 (District 9, 2009) - Nota: 8.0
9. Um Sonho Possível (The Blind Side, 2009) - Nota: 6.5
10. Up - Altas Aventuras (Up, 2009) - Nota: ?

Como alguns acompanharam, após assistir Guerra ao Terror que junto a Bastardos Inglórios foi o único a receber nota 10.0, eu fiquei em dúvida sobre qual seria a melhor película do ano. No entanto, essa dúvida foi discutida no post (Dirimindo dúvidas) no qual indico meu preferido, e o porquê.

Além disso, elaborei um panorama daquilo que aconteceu nas premiações pré Oscar 2010 (Panorama pré Oscar 2010). Nele, indico os possíveis vencedores em oito categorias, com base nos resultados obtidos pelos filmes, diretores, atores e roteiristas nos prêmios concedidos pelas associações especializadas americanas, pelos críticos, pelos correspondentes em Hollywood, e a Academia Britânica.

Bons ventos de Hollywood...

2010-03-05T00:13:00.005-03:00

Foto 1 - Meryl Streep no 55º Academy Awards, recebendo o prêmio por sua atuação em A Escolha de Sofia

Nos bolões e comentários que ando fazendo sobre as expectativas pré Oscar 2010, tenho dito que a Sandra Bullock será a próxima a levantar a estatueta mais cobiçada do Cinema. É claro, que isso não me anima nada, apenas cheguei a essa conclusão pelos resultados que a Bullock tem obtido nas premiações que antecedem ao Academy Awards. Minha vontade, é ver a Meryl Streep, depois de 28 anos, recebendo o há bastante tempo merecido terceiro Oscar. No entanto, no blog da Ana Maria Bahiana, li um post que me deixou bastante animado. O trecho ao qual me refiro, ponho logo abaixo, o grifo é meu:

E por que Sandra Bullock, por que agora? Já perdi a conta das conversas igualmente intrigadas, para não dizer pasmas, das quais participei, todas com esse tema. Objetivamente, Bullock é a melhor coisa de um filme medíocre que não faria feio na TV (mas não nos canais de ponta, como HBO..), está na batalha há anos e, como Bridges, é gente fina. Numa interessante matéria da Entertainment Weekly desta semana (que infelizmente não está online), 3 entre 4 acadêmicos entrevistados garantiram que votaram em Meryl Streep na categoria…. O que isso pode indicar? Que o furor em torno de Sandra Bullock esmoreceu depois do prêmio da SAG, com Meryl Streep disparando. Seria seu primeiro Oscar desde A Escolha de Sofia, em 1982. Interessante…

Últimos dias para votar nos melhores de 2009

2010-03-03T11:49:00.009-03:00

Não deixe de escolher os melhores de 2009 aqui no chá de poejo. Essa é a última semana de votação. Conheça, a seguir, as categorias e os indicados:

1. Melhor Filme

Amor sem Escalas / Avatar / Bastardos Inglórios / Guerra ao Terror / Preciosa

2. Melhor Atriz

Carey Mulligan por Educação / Gabourey Sidibe por Preciosa / Helen Mirren por The Last Station / Meryl Streep por Julie & Julia / Sandra Bullock por Um Sonho Possível

3. Melhor Atriz Coadjuvante

Anna Kendrick por Amor Sem Escala / Diane Kruger por Bastardos Inglórios / Julianne Moore por Direito de Amar / Mo'Nique por Preciosa / Penélope Cruz por Nine / Vera Farmiga por Amor Sem Escalas

4. Melhor Ator
Colin Firth por Direito de Amar / George Clooney por Amor sem Escalas / Jeff Bridges por Coração Louco / Jeremy Renner por Guerra ao Terror / Morgan Freeman por Invictus

5. Melhor Ator Coadjuvante

Christoph Waltz por Bastardos Inglórios / Christopher Plummer por The Last Station / Matt Damon por Invictus / Richard Kind por Um Homem Sério / Stanley Tucci por Um Olhar no Paraíso / Woody Harrelson por The Messenger

6. Melhor Roteiro Original
(500) Dias com Ela / Amor sem Escalas / Bastardos Inglórios / Guerra ao Terror / Um Homem Sério

7. Melhor Diretor (a)
James Cameron por Avatar / James Reitman por Amor sem Escalas / Kathryn Bigelow por Guerra ao Terror / Lee Daniels por Preciosa / Quentin Tarantino por Bastardos Inglórios

O resultado final dessa enquete sairá no dia 07 de março, data do Academy Awards - Oscar 2010. Para iniciar a sua participação, vá para a opção VOTE AQUI !!! do ícone que se encontra na parte superior do canto direito do blog (Vote nos melhores de 2009).

Você se lembra?

2010-03-01T22:05:00.003-03:00

O ano era 2001, e um dos homenageados da noite a receber um Oscar honorário era o Sidney Poitier. O Oscar honorário é uma homenagem aos grandes nomes que dedicaram sua vida ao cinema, mas também é usado como uma forma da Academia corrigir as injustiças frequentes em suas edições. Poitier que tinha sido indicado duas vezes na categoria de melhor ator, foi o primeiro negro a receber um prêmio Oscar em 1964 por Uma Voz Nas Sombras. Além disso, também foi o primeiro negro a receber um Oscar honorário.

No vídeo que pode ser visto AQUI, é possível vê-lo aceitando a honraria. Nele, também vemos nos olhos dos outros atores e atrizes o reconhecimento e respeito por aquela lenda viva da sétima arte. Além disso, em seu discurso de agradecimento, após citar vários personagens que o ajudaram durante a carreira, cita as dificuldades que passou no início dela, e a sua crença de que o momento que vivia era impossível de ser imaginado no passado. Por essas razões, esse é um dos momentos memoráveis nesses 82 anos de premiação.

The Blind Side (2009)

2010-02-28T12:10:00.004-03:00

Eu preciso iniciar esse post, dizendo que assisti ao filme duas vezes, para que os meus preconceitos não interferissem em minha opinião. Dito isso, e sabendo que é por esse longa que a Sandra Bullock está concorrendo ao Oscar, é necessário salientar que esse prêmio é dado para aqueles que se destacaram durante o ano anterior, sem levar em consideração a contribuição do profissional para o Cinema.

Michael Oher (Quinton Aaron), um garoto pobre, oriundo de uma família totalmente fragmentada e considerado "fugitivo" pelo Estado, tem um talento nato propiciado pelo seu porte físico - é um excelente jogador de futebol americano. Após entrar para uma escola religiosa particular, vê sua vida mudar de rumo, graças a ajuda da Leigh Anne Touhy (Sandra Bullock). Esta última, que em uma decisão instintiva (se é que isso existe), resolve oferecer sua casa para o garoto dormir durante uma noite, sem saber que isso não alteraria apenas a vida dele, como a sua própria. Com problemas de adaptação e socialização, "Big Mike" durante anos, nutriu um sentimento de auto-proteção e de desconfiança perante os outros. No entanto, naqueles em quem confia, passa a ser capaz de protegê-los como a coisa mais preciosa que pode haver. Inclusive, essa sua característica é hiperpotencializada na película, a fim de nos convencer dessa sua qualidade. Algumas coisas parecem ser absurdas, mas tudo bem.

Esse, portanto, é o enredo dirigido por John Lee Hancock. É preciso dizer, que em muitos momentos, há uma forçação de barra. Em si só, a temática já é comovente, e ainda com o auxílio de certas tomadas, e de determinadas trilhas sonoras, o ambiente fica bem mais propício a explosão de emoções. Um bom exemplo para isso, é a cena em que toda a família reunida, pergunta ao rapaz se ele, em outras palavras, quer ser adotado. Com isso, quero dizer que há um maniqueísmo no roteiro, que além disso, é bastante previsível. Para mim, o único momento lúcido e difícil de ser antecipado, são as primeiras cenas. Onde não se sabe porque o Oher está sendo interrogado. No mais, a película é muito superficial, mesmo tratando de temas bem sérios. Além disso, há coisas improváveis como: alguém deixar um total desconhecido dormindo no sofá da sala de sua própria casa, ou, uma galega rica desafiando um traficante sem que nada aconteça a ela. Bom, em The Blind Side tudo isso é possível e acontece.

O momento mais esperado é o de analisar as atuações, e em especial uma, a da Sandra Bullock. Mas antes disso, quero chamar atenção, para o pequeno S.J. Tuohy (Jae Head), que está bem engraçado, e convincente no papel do caçula, que quer "pegar carona" no sucesso do novo irmão (Michael Oher). Já este último, vivido pelo Quinton Aaron, que divide as principais atuações com a Bullock, não está mais que modesto. Realmente, se não fosse o seu tamanho, passaria incrivelmente desapercebido. No entanto, a Bullock está, de fato, muito bem como a dondoca loira, mas nada que justifique tanta mídia e prêmios. Parece que depois de anos, ela acertou no papel. Mas ainda acho que não foi uma atuação dramática muito profunda em nuances e facetas. Não a vejo como melhor do que nenhuma das indicadas ao Oscar 2010, mas espero que ela continue progredindo. Comparada às outras atrizes, sua atuação não é muito significativa, mas analisando suas performances anteriores, é um grande salto.

The Blind Side está longe de ser um grande filme de drama, gênero ao qual ele pretende pertencer. Tudo é muito facilitado para o jovem Michael, não há um grande conflito, e os que aparecem são insípidos, facilmente resolvidos e pouco problematizados. Como síntese de episódios traumáticos e trágicos, tirando o início pouco desenvolvido pelo roteiro, The Blind Side não tem nada. As únicas coisas que o fazem "respirar", é a sua grande bilheteria nos Estados Unidos, e a indicação da Bullock ao Oscar de Melhor Atriz. Se não fosse isso, estaria fadado ao esquecimento.
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The Blind Side (Um Sonho Possível), Estados Unidos - 2009. Dirigido por John Lee Hancock. Com: Sandra Bullock, Kathy Bates. 128 minutos. Gênero: Drama, Esporte.

Nota: 6.5

Você se lembra?

2010-02-27T14:36:00.001-03:00

Esse foi um dos momentos que vibrei assistindo a entrega do Oscar. Só pela presença do, Francis Ford Coppola, George Lucas e Steven Spielberg, o momento já era mágico e único. Imagine então, quando anunciaram que o vencedor era o amigo deles, Martin Scorsese?! Além disso, após estar por cinco vezes na fila, finalmente, na sexta oportunidade em 2007, ele recebeu a sua estatueta de melhor diretor. Da sua primeira indicação ao prêmio, até o momento em que venceu, foram 27 anos de espera, então, nada mais normal do que ele fazer piada consigo mesmo, pedindo para conferir seu nome no envelope vencedor.

Clique AQUI, para ter acesso ao vídeo da premiação hospedada no youtube.

Você se lembra?

2010-02-26T18:45:00.006-03:00

Com a proximidade de mais um Academy Awards, ficamos nos lembrando dos bons momentos propiciados pelo evento. Do 71º Oscar, acredito que os brasileiros ainda tenham recordações. Foi nesta edição, que tivemos a indicação da Fernanda Montenegro para melhor atriz, e do filme, Central do Brasil, para melhor filme de língua estrangeira.

No entanto, nesta mesma edição, ocorreu uma das maiores injustiças na categoria de melhor atriz, quando a Gwyneth Paltrow levou a estatueta para casa. Mas, nessa mesma oportunidade, estava presente o Roberto Benigni, que levou dois Oscar, um por sua atuação como melhor ator, e outro, como melhor filme em língua estrangeira. Ao receber o prêmio por este último, imortalizou-se ao subir nas poltronas de tanta euforia.

Apenas como nota, vejam que ele recebeu a honraria das mãos de ninguém menos que Sophia Loren. Além do seu entusiasmo e emoção ao chamar seu compatriota para receber o Oscar, o que salta aos olhos é o que 11 anos não fazem em uma pessoa. Ela está inreconhecível atualmente, se tomamos como parâmetro o ano de 1999.

Clique AQUI, para ter acesso ao vídeo da premiação hospedada no youtube.

Panorama pré Oscar 2010

2010-02-23T14:16:00.003-03:00

A tabela abaixo, fornece um panorama do que aconteceu nas premiações que antecedem o Academy Awards 2010. Como todos devem estar cansados de saber, os prêmios entregues na pré temporada do Oscar, servem de baliza para se prever aquilo que ocorrerá na entrega da estatueta mais cobiçada da sétima arte. Para confeccionar a tabela, foram levados em consideração seis premiações: 1. SAG - Screen Actors Guild; 2. DGA - Directors Guild of America; 3. PGA - Producers Guild of America; 4. Globo de Ouro; 5. BAFTA - The British Academy of Film and Television Arts; e 6. Critics' Choice Movie. A tabulação dos dados pode ser vista a seguir:

Clique na imagem para vê-la em tamanho maior

Se, realmente, há uma equivalência desses resultados com o que vai acontecer no dia 07 de março no Teatro Kodak, pode-se dizer que:

1. Na categoria de Melhor Filme há uma disputa entre Avatar e The Hurt Locker, onde o último leva uma grande vantagem;
2. Na categoria de Melhor Ator, Jeff Bridges vem levando todos os prêmios dados em solo americano, entretanto, no último fim de semana, o Colin Firth levou o BAFTA, o que poderá significar uma disputa entre os atores;
3. Na categoria de Melhor Ator Coadjuvante não há mistérios, o nome do ano é Christoph Waltz.
4. Na categoria de Melhor Atriz, querem nos fazer acreditar na existência de uma briga entre Sandra Bullock e Meryl Streep, entretanto, a primeira leva vantagem por ter recebido o "The Actor" 2010 concedido pela SAG. Vale lembrar que a Carey Mulligan mostrou sua força no BAFTA, mas não creio em sua vitória no Oscar, apesar de que seria uma excelente "surpresa".
5. Na categoria de Melhor Atriz Coadjuvante, também não há dúvidas, o nome do ano é Mo'Nique.
6. Na categoria de Melhor Direção há uma briga entre a Kathryn Bigelow e o James Cameron, sendo que a primeira leva uma enorme vantagem sobre seu oponente. Visto que o único prêmio que o diretor ganhou foi o Globo de Ouro, e os critérios para os correspondentes selecionarem o vencedor são duvidosos.
7. Na categoria de Melhor Roteiro Original, parece haver uma disputa entre The Hurt Locker e Inglourious Basterds. Eu acredito que o último deva levar a estatueta.
8. Na categoria de Melhor Roteiro Adaptado, o favorito deve ser mesmo Up In The Air.

Vote nos melhores de 2009 do chá de poejo

2010-02-22T09:14:00.002-03:00

Quem serão os próximos a dar uma volta com o Oscar? Não deixe de participar da votação dos melhores de 2009 aqui no chá de poejo. Você poderá escolher os melhores nas seguintes categorias:

1. Melhor Filme;
2. Melhor Atriz;
3. Melhor Atriz Coadjuvante;
4. Melhor Ator;
5. Melhor Ator Coadjuvante;
6. Melhor Roteiro Original;
7. Melhor Diretor.

O resultado final dessa enquete, sairá no dia 06 de março, data que antecede o Academy Awards - Oscar 2010. Para iniciar a sua participação, vá para a opção VOTE AQUI !!! do ícone que se encontra na parte superior do canto direito do blog (Vote nos melhores de 2009). Vote, e faça alguém levar o Oscar como passageiro, assim como está fazendo a Bette Davis no filme The Star (1952).

Nine (2009)

2010-02-19T02:21:00.005-03:00

Nine narra a história de Guido Contini (Daniel Day-Lewis), um cineasta em busca de inspiração e em crise criativa. Uma clara referência ao filme 8 1/2 de Fellini, onde um outro Guido, só que Anselmi, não consegue ter novas ideias para sua nova película, e vê nesse processo, uma luta íntima consigo mesmo. Seus traumas, seu passado, questões mal resolvidas, as mulheres que fizeram parte da sua vida, tudo vem à tona, e o tormento é devastador. Resumindo, em ambos os casos, a crise de consciência está presente, como também, a iminente falta de originalidade. O que há de diferente entre os longas citados, é que o dirigido pelo Rob Marshall, nem de longe se assemelha a genialidade com que é conduzido o filmado por Fellini, mesmo um sendo baseado no outro.

Sabe quando se tem a impressão de que um constelação de artistas foram reunidas, mas faltou a mão firme ou um maetro que os conduzissem? Pois bem, foi essa a leitura que eu tive. Quem leu meu comentário sobre Sangue Negro, por exemplo, sabe o quanto eu respeito e admiro o Daniel Day-Lewis, mas em Nine, ele está caricato até o último instante, e isso, quando ele consegue impressionar. Sem falar na Judi Dench (Lili), uma excelente atriz que tem uma participação diminuta, e uma cena musical terrível. É terrível tanto a execução da cena, quanto a canção que ela interpreta. Aliás, falando em canção, para um musical, foi feita uma péssima seleção de composições, com duas exceções que falo a seguir.

Os momentos que chamam um pouco a atenção são quando se canta Be Italian e Cinema Italiano. A primeira interpretada de forma bem sensual pela Stacy Ferguson (Saraghina), e a segunda, pela Kate Hudson (Stephanie Necrophuros). Entretanto, boas interpretações só vejo duas. A primeira, e indiscutível, é a da Marion Cotillard (Luisa Contini), ela está emotiva, simples e convincente no papel da "boa esposa" que depois dá um chute na bunda do marido. É incrível como seus olhos dizem tudo o que precisamos saber sobre suas emoções. E a segunda, é a Penélope Cruz (Carla Albanese) que é uma amante sensual e possessiva. Vale uma indicação ao Oscar, mas não vale vencer, entretanto, preferiria ver a Cotillard indicada.

Ahh, sobre a Sophia Loren e a Nicole Kidman prefiro não comentar. A primeira por respeito aos serviços já prestados à sétima arte, e a segunda, porque seu papel é tão morno que não incita nenhum tipo de sentimento. Antes de ver Nine me perguntava sobre a razão do seu fracasso. Não entendia como um filme desses tinha sido fadado ao esquecimento nas premiações, e parece que a resposta é Rob Marshall. Não há paixão no filme ou pelo filme, é uma sucessão de acontecimentos desconectados e piorados pelas músicas. A sensação que se tem é que estamos na platéia do teatro, e não no cinema. Marshall, volta para a Broadway!

Nine é a prova de que uma boa direção é essencial. Desde que vi uma entrevista com a grande Bette Davis, percebi o quão uma boa direção pode interferir no trabalho das atrizes e atores. Na oportunidade, ela dizia que até seu trabalho com William Wyler em 1938, não tinha sido dirigida por ninguém, e definia a sua situação assim: “Roteiros ruins, diretores ruins". No entanto, depois de trabalhar com Wyler, ela chegou a dizer que sem ele, a sua carreira não teria sido tão fantástica. E isso vindo de Bette Davis importa muito, ela não era chegada a elogiar quem não merecesse. Assim, pode-se ter uma constelação de atores, mas sem uma boa direção, não há roteiro que se sustente, e esse, é o caso de Nine. E agora eu sei, o filme e a direção são ruins mesmo!
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Nine, Estados Unidos - 2009. Dirigido por Rob Marshall. Com: Daniel Day-Lewis, Marion Cotillard, Penélope Cruz, Nicole Kidman, Judi Dench, Stacy Ferguson, Kate Hudson, Sophia Loren. 112 minutos. Gênero: Drama, Musical.

Nota: 3.0

"Oh quarta feira ingrata!"

2010-02-17T06:29:00.000-03:00

Encerrado os festejos de Momo, o chá de poejo volta ao normal com atualizações sistemáticas e comentários de filmes. Apenas para matar a saudade, um vídeo do Lenine cantando Leão do Norte, uma das canções mais belas sobre a cultura pernambucana, e que não pode faltar no carnaval de Recife ou de Olinda.